54 garsūs paveikslai, sukurti garsių menininkų

Būti žinomu menininku visą gyvenimą negarantuoja, kad kiti menininkai jus prisimins. Ar girdėjote apie prancūzų tapytoją Ernestą Meissonier?

Jis bendradarbiavo su Edouardu Manetu ir sėkmingesniu menininku kritikų pripažinimo ir pardavimo srityje. Ir atvirkščiai, su Vincentu van Goghu. Van Goghas pasitikėjo savo broliu Theo, kad jis aprūpintų jį dažais ir drobėmis, tačiau šiandien jo paveikslai kainuoja rekordines kainas, kai tik jie patenka į meno aukcioną, ir jis yra populiarus vardas.

Žvelgiant į garsius paveikslus praeityje ir dabar, galite išmokti daug dalykų, įskaitant kompoziciją ir dažų tvarkymą. Nors turbūt pati svarbiausia pamoka yra ta, kad galų gale turėtumėte piešti sau, o ne rinkai ar palikuonims.

„Nakties sargyba“ – Rembrantas

Rembrandto „Nakties sargyba“. Aliejus ant drobės. Amsterdamo Rijksmuseum kolekcijoje. Rijksmuseum Amsterdamas

„Nakties sargybos“ paveikslas Rembrantas yra Rijksmuseum Amsterdame. Kaip matyti nuotraukoje, tai didžiulis paveikslas: 363x437cm (143x172'). Rembrantas Ją baigė 1642 m. Tikrasis jos pavadinimas yra „Franso Banningo Cocqo ir Willemo van Ruytenburcho kompanija“, tačiau ji geriau žinoma kaip Nakties sargyba . (Bendrovė yra milicijos sargas).

Paveikslo kompozicija tuo laikotarpiu buvo labai skirtinga. Užuot rodęs figūras tvarkingai ir tvarkingai, kai drobėje visiems buvo suteikta vienoda svarba ir erdvė, Rembrandtas jas nutapė kaip užimtą grupę.

Apie 1715 m. ant „Nakties sargybos“ buvo nupieštas skydas, kuriame įrašyti 18 žmonių vardai, tačiau tik kai kurie iš jų buvo identifikuoti. (Taigi atminkite, jei piešiate grupinį portretą: nupieškite schemą ant nugaros, kurioje būtų visų žmonių vardai, kad ateities kartos žinotų!) 2009 m. kovo mėn. olandų istorikas Basas Dudokas van Heelis pagaliau išaiškino paslaptį, kas yra kas paveiksle. Jo tyrinėjimai netgi aptiko drabužių ir aksesuarų, pavaizduotų „Nakties sargyboje“, minimų šeimos dvarų inventoriuose, kuriuos jis sulygino su įvairių milicininkų amžiumi 1642 m., paveikslo užbaigimo metais.

Dudokas van Heelis taip pat išsiaiškino, kad salėje, kurioje pirmą kartą buvo pakabintas Rembrandto „Nakties sargyba“, buvo šeši grupiniai milicijos portretai, iš pradžių rodomi ištisine serija, o ne šeši atskiri paveikslai, kaip ilgai buvo manoma. Atvirkščiai, šeši grupiniai Rembrandto, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart ir Flinck portretai sudarė nenutrūkstamą frizą, derantį vienas kitą ir pritvirtintus prie medinės kambario dailylentės. Arba toks buvo ketinimas. Rembrandto „Nakties sargyba“ nedera su kitais paveikslais nei kompozicija, nei spalva. Atrodo, kad Rembrandtas nesilaikė savo pavedimo sąlygų. Bet tada, jei jis būtų turėjęs, niekada nebūtume turėję šio stulbinančiai kitokio XVII amžiaus grupės portreto.

„Kiškis“ – Albrechtas Dureris

Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarelė ir guašas, teptukas, paryškintas baltu guašu. Albertino muziejus

Paprastai vadinamas Diurerio triušiu, oficialus šio paveikslo pavadinimas vadinamas kiškiu. Paveikslas yra nuolatinėje kolekcijoje Batliner kolekcija iš Albertino muziejus Vienoje, Austrijoje.

Jis buvo nudažytas akvarele ir guašu, o balti akcentai buvo padaryti guašu (o ne nedažyta balta popieriaus spalva).

Tai puikus pavyzdys, kaip galima dažyti kailį. Norėdami tai pamėgdžioti, jūsų požiūris priklauso nuo to, kiek turite kantrybės. Jei turite per daug, dažysite plonu šepetėliu, po vieną plauką. Kitu atveju naudokite sauso šepečio techniką arba perskelkite plaukus ant šepečio. Būtina kantrybė ir ištvermė. Per greitai dirbkite su šlapiais dažais, todėl atskiri potėpiai gali susimaišyti. Netęskite pakankamai ilgai, ir kailis atrodys nuplikęs.

Siksto koplyčios lubų freska – Mikelandželas

Žiūrint kaip į visumą, Siksto koplyčios lubų freska yra stulbinanti; yra tiesiog per daug, ko reikia suvokti, ir atrodo neįsivaizduojama, kad freską sukūrė vienas menininkas. Franco Origlia / Getty Images

Mikelandželo paveikslas apie Siksto koplyčios lubas yra viena garsiausių freskų pasaulyje.

Siksto koplyčia yra didelė koplyčia Apaštalų rūmuose, oficiali popiežiaus (Katalikų bažnyčios vadovo) rezidencija Vatikane. Jame yra daug freskų, nutapytų kai kurių didžiausių Renesanso epochos vardų, įskaitant Bernini ir Raphaelio sienų freskas, tačiau labiausiai garsėja Mikelandželo freskomis ant lubų.

Mikelandželas gimė 1475 m. kovo 6 d. ir mirė 1564 m. vasario 18 d. Popiežiaus Julijaus II užsakymu Mikelandželas dirbo Siksto koplyčios lubos nuo 1508 m. gegužės iki 1512 m. spalio mėn. (nuo 1510 m. rugsėjo iki 1511 m. rugpjūčio mėn. jokie darbai nebuvo atlikti). Koplyčia atidaryta 1512 m. lapkričio 1 d., Visų Šventųjų šventę.

Koplyčia yra 40,23 metro ilgio, 13,40 metro pločio, o lubos yra 20,70 metro virš žemės aukščiausiame taške¹. Mikelandželas nutapė eilę Biblijos scenų, pranašų ir Kristaus protėvių, taip pat trompe l'oeil ar architektūros bruožų. Pagrindinėje lubų srityje pavaizduotos istorijos iš Pradžios knygos istorijų, įskaitant žmonijos sukūrimą, žmogaus kritimą iš malonės, potvynį ir Nojų.

Siksto koplyčios lubos: detalė

Adomo kūrinys yra bene geriausiai žinomas skydas garsiojoje Siksto koplyčioje. Atkreipkite dėmesį, kad kompozicija yra ne centre. Fotopress / Getty Images

Panelė, vaizduojanti žmogaus kūrybą, yra bene geriausiai žinoma scena garsiojoje Mikelandželo freskoje Siksto koplyčios lubose.

Vatikano Siksto koplyčioje yra daug nutapytų freskų, tačiau labiausiai garsėja Mikelandželo freskomis ant lubų. 1980–1994 m. Vatikano meno ekspertai atliko išsamią restauraciją, pašalindami šimtmečius nuo žvakių ir ankstesnių restauravimo darbų dūmus. Tai atskleidė daug ryškesnes spalvas, nei manyta anksčiau.

Mikelandželo naudojami pigmentai buvo ochra – raudonai ir geltonai, geležies silikatai – žalumynams, lapis lazuli – mėlynai ir anglis – juodai.¹Ne viskas nupiešta taip detaliai, kaip atrodo iš pirmo žvilgsnio. Pavyzdžiui, figūros priekiniame plane nutapytos detaliau nei fone, todėl lubose jaučiamas gylis.

Daugiau apie Siksto koplyčią:

• Vatikano muziejai: Siksto koplyčia
• Virtuali ekskursija po Siksto koplyčią

Šaltiniai:
1 Vatikano muziejai: Siksto koplyčia, Vatikano miesto valstybės svetainė, žiūrėta 2010 m. rugsėjo 9 d.

Leonardo da Vinci užrašų knygelė

Ši nedidelė Leonardo da Vinci užrašų knygelė (oficialiai identifikuota kaip Codex Forster III) yra V&A muziejuje Londone. Marion Boddy-Evans / licencijuota About.com, Inc.

Renesanso menininkas Leonardo da Vinci garsėja ne tik savo paveikslais, bet ir užrašų knygelėmis. Šioje nuotraukoje pavaizduotas vienas V&A muziejuje Londone.

V&A muziejaus Londone kolekcijoje yra penki Leonardo da Vinci užrašų knygelės. Šį, žinomą kaip Codex Forster III, Leonardo da Vinci naudojo 1490–1493 m., kai dirbo Milane pas kunigaikštį Ludovicą Sforzą.

Tai mažas sąsiuvinis, tokio dydžio, kurį lengvai galėtumėte laikyti palto kišenėje. Jame gausu įvairiausių idėjų, užrašų ir eskizų, įskaitant „arklio kojų eskizus, skrybėlių ir drabužių brėžinius, kurie galėjo būti kostiumų baliuose idėjos, ir žmogaus galvos anatomijos aprašymą“.¹Nors muziejuje negalite vartyti sąsiuvinio puslapių, galite jį naršyti internete.

Perskaityti jo rašyseną nėra lengva – tarp kaligrafinio stiliaus ir veidrodinio rašymo (atgal, iš dešinės į kairę), tačiau kai kuriems įdomu matyti, kaip jis deda visas rūšis į vieną sąsiuvinį. Tai veikiantis užrašų knygelė, o ne demonstracija. Jei kada nors nerimavote, kad jūsų kūrybiškumo žurnalas nebuvo kažkaip teisingai padaryta ar sutvarkyta, vadovaukitės šio meistro: darykite taip, kaip jums reikia.

<sub>Šaltinis:
1. Naršykite Forsterio kodeksus, V&A muziejų. (Žiūrėta 2010 m. rugpjūčio 8 d.)</sub>

„Mona Liza“ – Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci „Mona Liza“. Tapyta apie 1503-19 m. Aliejiniai dažai ant medžio. Dydis: 30x20' (77x53cm). Šis garsus paveikslas dabar yra Paryžiaus Luvro kolekcijoje. Stuartas Gregory / Getty Images

Leonardas da Vinčis Paryžiaus Luvre pastatytas paveikslas „Mona Liza“, be abejo, yra garsiausias paveikslas pasaulyje. Tai tikriausiai taip pat žinomiausias pavyzdys niuansuotas , tapybos technika, iš dalies atsakinga už jos mįslingą šypseną.

Buvo daug spėlionių, kas buvo paveiksle pavaizduota moteris. Manoma, kad tai Lisos Gherardini, Florencijos audinių pirklio Francesco del Giocondo žmonos, portretas. (XVI a. meno rašytojas Vasari buvo vienas pirmųjų, kuris tai pasiūlė savo „Menininkų gyvenimuose“). Taip pat manoma, kad jos šypsenos priežastis buvo tai, kad ji buvo nėščia.

Meno istorikai žino Leonardas „Mona Liza“ pradėjo kurti 1503 m., nes tais metais apie tai įrašė aukštas Florencijos pareigūnas Agostino Vespucci. Kai jis baigs, tai mažiau aišku. Luvras iš pradžių datavo paveikslą 1503–1506 m., tačiau 2012 m. padaryti atradimai rodo, kad jis galėjo būti baigtas praėjus dešimtmečiui, nes fonas buvo pagrįstas uolų piešiniu, kurį jis, kaip žinoma, padarė 1510 m. -15.¹2012 m. kovo mėn. Luvras pakeitė datas į 1503–1919 m.

Šaltinis:
1. „Mona Liza“ galėjo būti baigta dešimtmečiu vėliau, nei manyta „The Art Newspaper“, Martin Bailey, 2012 m. kovo 7 d. (žiūrėta 2012 m. kovo 10 d.)

Įžymūs dailininkai: Monet at Giverny

Monet sėdi šalia vandens lelijų tvenkinio savo sode Giverny mieste Prancūzijoje. Hultono archyvas / Getty Images

Nuorodų nuotraukos tapybai: Monet „Giverny sodas“.

Viena iš priežasčių, kodėl impresionistas tapytojas Claude'as Monetas yra toks garsus, yra jo paveikslai, kuriuose vaizduojami atspindžiai lelijų tvenkiniuose, kuriuos jis sukūrė savo dideliame Giverny sode. Tai įkvėpė daugelį metų, iki pat jo gyvenimo pabaigos. Jis eskizavo paveikslų idėjas, įkvėptas tvenkinių, kūrė mažus ir didelius paveikslus tiek kaip atskirus darbus, tiek kaip serijas.

Claude'o Monet parašas

Claude'o Monet parašas ant jo 1904 m. Nympheas paveikslo. Bruno Vincentas / Getty Images

Šis pavyzdys, kaip Monet pasirašė savo paveikslus, yra iš vieno iš jo vandens lelijų paveikslų. Matote, kad jis pasirašė vardu ir pavarde (Claude Monet) ir metais (1904). Jis yra apatiniame dešiniajame kampe, pakankamai toli, kad jo nenukirstų rėmas.

Visas Moneto vardas buvo Claude'as Oscaras Monet.

„Įspūdžio saulėtekis“ – Monet

Monet „Impression Sunrise“ (1872). Aliejus ant drobės. Maždaug 18x25 colių arba 48x63 cm. Šiuo metu yra Marmottan Monet muziejuje Paryžiuje. Pirkti Padidinti / Getty Images

Šis Monet paveikslas suteikė pavadinimą impresionistinis stilius meno. Jis jį eksponavo 1874 m. Paryžiuje, vadinamoje Pirmąja impresionistų paroda.

Savo apžvalgoje apie parodą, kurią jis pavadino „Impresionistų paroda“, meno kritikas Louisas Leroy sakė:

' Embriono būsenos tapetai yra labiau išbaigti nei tas jūros vaizdas .'

<sub>Šaltinis:
1. Louis Leroy „Impresionistų paroda“, Charivari , 1874 m. balandžio 25 d., Paryžius. Išvertė Johnas Rewaldas in Impresionizmo istorija , Moma, 1946, p. 256-61; cituojamas Bruce'o Altshulerio, Phaidon knygoje Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, p42-43.</sub>

„Šieno kupetų“ serija – Monet

Žymių paveikslų kolekcija, kuri jus įkvėps ir praplės jūsų meno žinias. Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet dažnai tapydavo serijas ta pačia tema, kad užfiksuotų kintančius šviesos efektus, o dienai bėgant keisdavo drobes.

Monet vėl ir vėl piešė daugybę temų, tačiau kiekvienas jo serijos paveikslas yra skirtingas, nesvarbu, ar tai vandens lelijos paveikslas, ar šieno kupetas. Kadangi Monet paveikslai yra išsibarstę kolekcijose visame pasaulyje, dažniausiai tik specialiose parodose jo serijos paveikslai yra matomi kaip grupė. Laimei, Meno institutas Čikagoje kolekcijoje yra keli Monet paveikslai su šieno kupetomis, nes jie daro įspūdingą žiūrėjimas kartu :

• Kviečių krūva
• Atšilimas, saulėlydis
• Saulėlydis, sniego efektas
• Sniego efektas, apsiniaukusi diena
• Vasaros pabaiga

1890 m. spalį Monet parašė laišką meno kritikui Gustave'ui Geffroy apie piešiamas šieno kupetų serijas, sakydamas:

„Man sunku, atkakliai dirbu su įvairiais efektais, bet šiuo metų laiku saulė leidžiasi taip greitai, kad neįmanoma jos suspėti... kuo toliau, tuo labiau matau, kad reikia nuveikti daug darbo, kad atvaizduočiau tai, ko ieškau: „akimirksniu“, „apvalkalu“, visų pirma, ta pačia šviesa, sklindančia ant visko... Mane vis labiau ima apsėsti poreikis perteikti tai, ką aš noriu. patirties, ir meldžiuosi, kad man liktų dar keli geri metai, nes manau, kad galiu padaryti tam tikrą pažangą ta kryptimi...“¹

<sup>Šaltinis: ,
1. Monė pats , p172, redagavo Richard Kendall, MacDonald & Co, Londonas, 1989 m.</sup>

„Vandens lelijos“ – Claude'as Monet

davebluedevil (Kūribingi panašumai Kai kurios teisės saugomos )' id='mntl-sc-block-image_2-0-61' />

Įžymių menininkų paveikslų galerija. Nuotrauka: davebluedevil (Kūribingi panašumai Kai kurios teisės saugomos )

Klodas Monė , „Vandens lelijos“, c. 19140-17, aliejus, drobė. 65 dydis 3/8 x 56 coliai (166,1 x 142,2 cm). Kolekcijoje San Francisko dailės muziejai .

Monet yra bene žinomiausias iš impresionistų, ypač dėl savo paveikslų, vaizduojančių atspindžius lelijų tvenkinyje jo Giverny sode. Šiame paveiksle viršutiniame dešiniajame kampe pavaizduotas nedidelis debesėlis ir dėmėtas dangaus mėlynumas, atsispindintis vandenyje.

Jei išnagrinėsite Monet sodo nuotraukas, pvz., Monet lelijų tvenkinį ir lelijų žiedų, ir palyginsite jas su šiuo paveikslu, pajusite, kaip Monet sumažino savo meno detales, įskaitant tik esmę. scena arba atspindžio, vandens ir lelijos žiedo įspūdis. Spustelėkite nuorodą „Žiūrėti visu dydžiu“, esančią po aukščiau esančia nuotrauka, kad pamatytumėte didesnę versiją, kurioje lengviau pajusti Monet piešinį teptuku.

Prancūzų poetas Paulas Claudelis sakė:

„Vandens dėka [Monet] tapo to, ko nematome, tapytoju. Jis kreipiasi į tą nematomą dvasinį paviršių, kuris skiria šviesą nuo atspindžio. Orinė žydra skystos žydros nelaisvė... Spalva kyla iš vandens dugno debesimis, sūkuriais.'

^{Šaltinis :}
262 psl. „Mūsų šimtmečio menas“, Jean-Louis Ferrier ir Yann Le Pichon

Camille Pissarro parašas

Menininko impresionisto Camille'o Pissarro parašas ant jo 1870 m. paveikslo „Peizažas Luvesjeno apylinkėse (ruduo)“. Ianas Waldie / Getty Images

Tapytojas Camille Pissarro paprastai yra mažiau žinomas nei daugelis jo amžininkų (pvz., Monet), tačiau meno juostoje yra unikali vieta. Jis dirbo ir kaip impresionistas, ir kaip neoimpresionistas, taip pat darė įtaką dabar žinomiems menininkams, tokiems kaip Cézanne, Van Gogh ir Gauguin. Jis buvo vienintelis menininkas, dalyvavęs visose aštuoniose parodose Impresionistų parodos Paryžiuje 1874–1886 m.

Van Gogo autoportretas (1886/1887)

Jimcchou / Flickr lenta, montuojama ant skydelio. Čikagos meno instituto kolekcijoje.' id='mntl-sc-block-image_2-0-72' />

Vincento van Gogo autoportretas (1886/1887). 41x32,5cm, aliejus ant menininko lentos, montuojamas ant skydelio. Čikagos meno instituto kolekcijoje. Jimcchou / Flickr

Tai portretas pateikė Vincentas van Gogas yra Čikagos meno instituto kolekcijoje. Jis buvo nudažytas stiliumi, panašiu į puantilizmą, tačiau neprilimpa tik prie taškų.

Per dvejus metus, gyvendamas Paryžiuje, 1886–1888 m., Van Goghas nutapė 24 autoportretus. Čikagos meno institutas apibūdino šį metodą kaip taikantį Seurat „taškų techniką“ ne kaip mokslinį metodą, o kaip „intensyvią emocinę kalbą“, kurioje „raudoni ir žali taškai kelia nerimą ir visiškai atitinka nervinę įtampą, kuri akivaizdi van Gogho filme. žvilgsnis.'

Po kelerių metų laiške savo seseriai Wilhelminai Van Gogas rašė:

„Pastaruoju metu nupiešiau du savo paveikslus, iš kurių vienas, manau, turi daugiau tikrojo charakterio, nors Olandijoje tikriausiai pasišaipytų iš čia dygstančių idėjų apie portretinę tapybą. ... Aš visada manau, kad nuotraukos yra pasibjaurėtinos, ir nemėgstu jų turėti šalia, ypač ne tų, kuriuos pažįstu ir myliu... fotografiniai portretai nuvysta daug greičiau nei mes patys, o nutapytas portretas yra dalykas kuri jaučiama, daroma su meile ar pagarba vaizduojamam žmogui“.

Šaltinis:
1889 m. rugsėjo 19 d. laiškas Wilhelminai van Gogh

Vincento van Gogho parašas

Vincento van Gogo „Naktinė kavinė“ (1888). Teresa Veramendi / Vincento geltona

Naktinė kavinė Van Goghas dabar yra Jeilio universiteto meno galerijos kolekcijoje. Yra žinoma, kad Van Gogas pasirašė tik tuos paveikslus, kuriais buvo ypač patenkintas, tačiau šio paveikslo atveju neįprasta yra tai, kad po savo parašu jis pridėjo pavadinimą „Le café de Nuit“.

Atkreipkite dėmesį, kad Van Goghas savo paveikslus pasirašė tiesiog „Vincentas“, o ne „Vincentas van Goghas“ ar „Van Gogas“.

Laiške savo broliui Theo, parašytame 1888 m. kovo 24 d., jis sakė:

„Ateityje mano vardas turėtų būti įtrauktas į katalogą, nes aš jį pasirašysiu ant drobės, būtent Vincentas, o ne Van Gogas, dėl paprastos priežasties, nes jie nežino, kaip čia ištarti pastarąjį vardą.

„Čia“ yra Arlis, Prancūzijos pietuose.

Jei susimąstėte, kaip tariate Van Goghą, atminkite, kad tai olandiška pavardė, o ne prancūziška ar angliška. Taigi „Gogh“ yra tariamas, todėl jis rimuojasi su škotišku „loch“. Tai nėra „nusileisti“ ar „eiti“.

Žvaigždėta naktis – Vincentas van Gogas

Vincento van Gogo „Žvaigždėta naktis“ (1889). Aliejus ant drobės, 29x36 1/4' (73,7x92,1 cm). Momos kolekcijoje, Niujorke. Jeanas-Francois Richardas

Šis paveikslas, kuris tikriausiai yra žinomiausias Vincento van Gogho paveikslas, yra kolekcijoje Modernaus meno muziejus Niujorke.

Van Gogas nutapė Žvaigždėta naktis 1889 m. birželio mėn., paminėjęs ryto žvaigždę laiške savo broliui Theo, rašytame apie 1889 m. birželio 2 d.: „Šį rytą pamačiau šalį pro savo langą daug laiko prieš saulėtekį, o tik ryto žvaigždę, kuri atrodė labai gerai. didelis.' Ryto žvaigždė (iš tikrųjų Veneros planeta, o ne žvaigždė) paprastai laikoma didele balta žvaigžde, nutapyta tiesiai kairėje nuo paveikslo centro.

Ankstesniuose Van Gogho laiškuose taip pat minimos žvaigždės ir naktinis dangus bei jo noras juos nupiešti:

1. „Kada aš kada nors pasieksiu žvaigždėtą dangų, tą paveikslą, kuris visada yra mano galvoje?“ (Laiškas Emiliui Bernardui, apie 1888 m. birželio 18 d.)
2. „Kalbant apie žvaigždėtą dangų, aš labai tikiuosi jį nutapyti ir galbūt kurią nors iš šių dienų padarysiu“ (Laiškas Theo van Goghui, apie 1888 m. rugsėjo 26 d.).
3. „Šiuo metu aš labai noriu nupiešti žvaigždėtą dangų. Man dažnai atrodo, kad naktis vis dar sodresnės spalvos nei diena; turinti intensyviausių violetinių, mėlynų ir žalių atspalvių. Jei tik į tai atkreipsite dėmesį, pamatysite, kad kai kurios žvaigždės yra citrinos geltonos, kitos rožinės arba žalios, mėlynos ir neužmirštamos spalvos. ... akivaizdu, kad norint nupiešti žvaigždėtą dangų, neužtenka uždėti baltų taškelių ant mėlynai juodos spalvos. (1888 m. rugsėjo 16 d. laiškas Wilhelminai van Gogh)

Restoranas de la Sirene, Asnieres – Vincentas van Gogas

Vincento van Gogo „The Restaurant de la Sirene, at Asnieres“. Marion Boddy-Evans (2007 m.) / licencijuota About.com, Inc.

Šis Vincento van Gogho paveikslas yra Ashmolean muziejaus kolekcijoje Oksforde, JK. Van Goghas nutapė jį netrukus po to, kai 1887 m. atvyko į Paryžių gyventi su broliu Theo Monmartre, kur Theo vadovavo meno galerijai.

Pirmą kartą Vincentas susidūrė su impresionistų (ypač Monet) paveikslais ir susitiko su tokiais menininkais kaip Gogenas , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard ir Pissarro. Palyginti su ankstesne jo kūryba, kurioje vyravo tamsūs žemės atspalviai, būdingi tokiems Šiaurės Europos dailininkams kaip Rembrandtas, šis paveikslas parodo šių menininkų įtaką jam.

Jo naudojamos spalvos pašviesėjo ir pašviesėjo, o teptukas tapo laisvesnis ir ryškesnis. Pažvelkite į šias paveikslo detales ir pamatysite, kaip jis naudojo mažus grynos spalvos potėpius, atskirtus. Jis nemaišo spalvų ant drobės, bet leidžia tai įvykti žiūrovo akyse. Jis bando sulaužyta spalva impresionistų požiūris.

Palyginti su vėlesniais jo paveikslais, spalvų juostos yra nutolusios viena nuo kitos, o tarp jų yra neutralus fonas. Jis dar nepadengia visos drobės sodriomis spalvomis ir neišnaudoja galimybių naudoti teptukus, kad sukurtų pačių dažų tekstūrą.

„The Restaurant de la Sirene“, „Asnieres“, sukūrė Vincentas van Goghas (išsami informacija)

Išsami informacija iš Vincento van Gogo „The Restaurant de la Sirene, at Asnieres“ (aliejus ant drobės, Ashmolean muziejus). Marion Boddy-Evans (2007 m.) / licencijuota About.com, Inc.

Šios detalės iš Van Gogho paveikslo „The Restaurant de la Sirene“, esančio Asnieres mieste (Ashmolean muziejaus kolekcijoje), parodo, kaip jis eksperimentavo su teptuku ir teptukų žymėmis po to, kai paveikė impresionistų ir kitų šiuolaikinių Paryžiaus menininkų paveikslus.

„Keturi šokėjai“ – Edgaras Degas

MikeandKim / Flickr

Edgaras Degas, Keturi šokėjai, c. 1899. Drobė, aliejus. 59 dydis 1/2 x 71 colio (151,1 x 180,2 cm). Viduje Nacionalinė dailės galerija , Vašingtonas.

'Menininko motinos portretas' - Whistler

„Aranžuotė pilkai ir juodai Nr. 1, dailininko motinos portretas“, James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144,3x162,5 cm. Aliejus ant drobės. Musee d'Orsay, Paryžius, kolekcijoje. Billas Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paryžius / Prancūzija

Tai turbūt garsiausias Whistlerio paveikslas. Visas jo pavadinimas yra „Arrangement in pilkai ir juodai Nr. 1, Menininko motinos portretas“. Jo mama sutiko pozuoti paveikslui, kai susirgo modelis, kurį naudojo Whistleris. Iš pradžių jis paprašė jos pozuoti stovint, bet, kaip matote, pasidavė ir leido jai atsisėsti.

Ant sienos yra Whistlerio ofortas „Black Lion Wharf“. Jei labai atidžiai pažvelgsite į užuolaidą, esančią viršutiniame kairiajame oforto rėmo kampe, pamatysite šviesesnę dėmę – tai drugelio simbolis, kuriuo Whistleris pasirašinėjo savo paveikslus. Simbolis ne visada buvo tas pats, bet jis pasikeitė, o jo forma naudojama jo meno kūrinių datai. Yra žinoma, kad jis pradėjo jį naudoti 1869 m.

„Viltis II“ – Gustavas Klimtas

„Viltis II“ – Gustavas Klimtas. Jessica Jeanne / Flickr

„Kas nori ką nors sužinoti apie mane – kaip menininką, vienintelį išskirtinį dalyką – turėtų atidžiai pažiūrėti į mano nuotraukas ir pabandyti jose pamatyti, kas aš esu ir ką noriu veikti“. Klimtas

Gustavas Klimtas tapė II finalas ant drobės 1907/8 m., naudojant aliejinius dažus, auksą ir platiną. Jis yra 43,5 x 43,5 colio (110,5 x 110,5 cm) dydžio. Paveikslas yra kolekcijos dalis Modernaus meno muziejus Niujorke.

II finalas yra gražus pavyzdys Klimto aukso lapų panaudojimas paveiksluose ir jo turtingas ornamentinis stilius. Pažiūrėkite, kaip jis piešė drabužį, kurį dėvi pagrindinė figūra, kaip tai abstrahuota forma, papuošta apskritimais, tačiau mes vis tiek „skaitome“ kaip apsiaustą ar suknelę. Kaip apačioje jis susilieja į kitus tris veidus.

Savo iliustruotoje Klimto biografijoje meno kritikas Frankas Whitfordas sakė:

Klimtas „pritaiko tikro aukso ir sidabro lapelius, kad dar labiau sustiprintų įspūdį, jog paveikslas yra brangus daiktas, o ne veidrodis, kuriame galima įžvelgti gamtą, o kruopščiai apdirbtas artefaktas“.^du

Tai simbolika, kuri vis dar galioja ir šiais laikais, nes auksas vis dar laikomas vertinga preke.

Klimtas gyveno Vienoje Austrijoje ir įkvėpimo sėmėsi labiau iš Rytų, o ne iš Vakarų, „iš tokių šaltinių kaip Bizantijos menas, Mikėnų metalo dirbiniai, persiški kilimai ir miniatiūros, Ravenos bažnyčių mozaikos ir japoniški ekranai“.³

Šaltinis:
1. Menininkai kontekste: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, Londonas, 1993), galinis viršelis.
2. Ten pat. 82 p.
3. MoMA akcentai (Moderniojo meno muziejus, Niujorkas, 2004), p. 54

Picasso parašas

Picasso parašas ant jo 1903 m. paveikslo „Angelo Fernandezo de Soto portretas“ (arba „Absento gėrėjas“). Oli Scarff / Getty Images

Tai yra parašas Pikasas ant jo 1903 m. paveikslo (iš jo Mėlynojo laikotarpio) pavadinimu „Absento gėrėjas“.

Picasso eksperimentavo su įvairiomis sutrumpintomis savo vardo versijomis kaip savo tapybos parašu, įskaitant apskritimus inicialus, prieš pasirinkdamas „Pablo Picasso“. Šiandien paprastai girdime jį vadinamą „Pikaso“.

Jo pilnas vardas buvo: Pablo, sakau, Jose, Francisco de Paula, Juanas Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, Šventosios Trejybės, Ruizas Picasso ¹.
,
<sub>Šaltinis:
1. Natasha Staller „Niaukimų suma: Pikaso kultūros ir kubizmo kūrimas“. Jeilio universiteto leidykla. Puslapis 209.</sub>

„Absento gėrėjas“ – Pikasas

1903 m. Picasso paveikslas „Angelo Fernandezo de Soto portretas“ (arba „Absento gėrėjas“). Oli Scarff / Getty Images

Šį paveikslą Picasso sukūrė 1903 m., per savo Mėlynąjį laikotarpį (tuo metu, kai Picasso paveiksluose dominavo mėlynos spalvos tonai; kai jam buvo dvidešimt). Jame yra menininkas Angelas Fernandezas de Soto, kuris labiau entuziastingai mėgo vakarėlius ir gėrimus nei jo paveikslas.¹, ir kuris du kartus Barselonoje dalijosi studija su Picasso.

Paveikslą 2010 m. birželį aukcione paskelbė Andrew Lloydo Webberio fondas po to, kai JAV buvo pasiektas neteisminis susitarimas dėl nuosavybės teisės, Vokietijos žydų bankininko Paulo von Mendelssohn-Bartholdy palikuonių pareiškimu, kad 1930-aisiais nacių režimo Vokietijoje metu paveikslas buvo per prievartą.

<sub>Šaltinis:
1. Christie's aukciono namai pranešimas spaudai , „Christie's pasiūlys Pikaso šedevrą“, 2010 m. kovo 17 d.</sub>

„Tragedija“ – Pikasas

„Tragedija“ – Pikasas. MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedija, 1903. Aliejus ant medžio. Dydis 41 7/16 x 27 3/16 colių (105,3 x 69 cm). Viduje Nacionalinė dailės galerija , Vašingtonas.

Tai iš jo mėlynojo laikotarpio, kai jo paveiksluose, kaip rodo pavadinimas, vyravo bliuzas.

Picasso eskizas jo garsiajam „Gernica“ paveikslui

Picasso eskizas jo paveikslui „Gernika“. Gotor / Viršelis / Getty Images

Planuodamas ir dirbdamas su savo didžiuliu paveikslu „Gernika“, Pikasas atliko daug eskizų ir studijų. Nuotraukoje pavaizduotas vienas jo kompozicija eskizų, kurie savaime nelabai atrodo, raižytų eilučių rinkinys.

Užuot bandę iššifruoti, kas gali būti įvairūs dalykai ir kur jie yra galutiniame paveiksle, galvokite apie tai kaip Pikaso stenogramą. Paprasta ženklų darymas už vaizdus, ​​kuriuos jis laikė mintyse. Sutelkite dėmesį į tai, kaip jis tai naudoja, kad nuspręstų, kur dėti elementus paveiksle, į šių elementų sąveiką.

„Gernika“ – Pikasas

„Gernika“ – Pikasas. Bruce'as Bennettas / Getty Images

Šis garsusis Picasso paveikslas yra milžiniškas: 11 pėdų 6 colių aukščio ir 25 pėdų 8 colių pločio (3,5 x 7,76 metro). Picasso nutapė jį Ispanijos paviljono užsakymu 1937 m. pasaulinėje parodoje Paryžiuje. Jis yra Museo Reina Sofia Madride, Ispanijoje.

„Ponas Mingelio portretas“ – Pikasas

Pablo Picasso „Pono Mingelio portretas“ (1901). Aliejiniai dažai ant popieriaus, klojami ant drobės. Dydis: 52x31,5 cm (20 1/2x12 3/8 colio). Oli Scarff / Getty Images

Picasso nupiešė šį portretą 1901 m., kai jam buvo 20 metų. Ši tema – katalonų siuvėjas ponas Minguellas, su kuriuo, kaip manoma, Pikasą supažindino jo meno prekiautojas ir draugas Pedro Manachas.¹. Stilius parodo, kaip Picasso išmoko tradicinę tapybą, ir kaip toli jo tapybos stilius išsivystė per savo karjerą. Tai, kad jis nutapytas ant popieriaus, yra ženklas, kad tai buvo padaryta tuo metu, kai Pikaso buvo sugedęs, dar neuždirbdamas pakankamai pinigų iš savo meno, kad galėtų tapyti ant drobės.

Picasso padovanojo paveikslą Minguellui, bet vėliau jį atpirko ir vis dar turėjo, kai jis mirė 1973 m. Paveikslas buvo uždėtas ant drobės ir greičiausiai taip pat restauruotas vadovaujant Pikasui „kažkada iki 1969 m.^du, kai jis buvo nufotografuotas Christiano Zervoso knygai apie Pikasą.

Kitą kartą dalyvausite viename iš tų vakarienės ginčų apie tai, kaip visi nerealistai tapytojai tik piešia abstrakčiai , kubistas, fovistas, impresionistas, pasirinkite savo stilių, nes jie negali padaryti „tikrųjų paveikslų“, paklauskite asmens, ar jie priskiria Pikasą šiai kategorijai (dauguma taip daro), tada paminėkite šį paveikslą.

_{Šaltinis:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impresionistų ir modernaus meno išpardavimas 2010 m. birželio 22 d. (Žiūrėta 2010 m. birželio 3 d.)}

„Dora Maar“ arba „Moters galva“ – Pikasas

„Dora Maar“ arba „Moters galva“ – Pikasas. Peteris Macdiarmidas / „Getty Images“.

2008 m. birželio mėn. aukcione parduotas šis Picasso paveikslas buvo parduotas už 7 881 250 GBP (15 509 512 JAV dolerių). Aukciono sąmata buvo nuo trijų iki penkių milijonų svarų sterlingų.

Avinjono damos – Pikasas

Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Aliejus ant drobės, 8 x 7' 8' (244 x 234 cm). Modernaus meno muziejus (Moma) Niujorkas. Davina DeVries / Flickr

Šis didžiulis Picasso paveikslas (beveik aštuonių kvadratinių pėdų) yra paskelbtas vienu iš svarbiausių kada nors sukurtų šiuolaikinio meno kūrinių, jei ne į svarbiausia, itin svarbus paveikslas šiuolaikinio meno raidoje. Paveiksle pavaizduotos penkios moterys – viešnamyje esančios prostitutės, tačiau daug diskutuojama apie tai, ką visa tai reiškia ir apie visas nuorodas bei įtaką.

Meno kritikas Džonatanas Džounsas¹sako:

„Pikaso afrikietiškose kaukėse [aiškiai matosi figūrų veidai dešinėje] buvo akivaizdžiausias dalykas: jos tave užmaskuoja, paverčia kažkuo kitu – gyvūnu, demonu, dievu. Modernizmas yra menas, kuris dėvi kaukę. Jame nepasakoma, ką tai reiškia; tai ne langas, o siena. Picasso pasirinko temą būtent todėl, kad tai buvo klišė: jis norėjo parodyti, kad meno originalumas slypi ne pasakojime ar moralėje, o formaliame išradime. Štai kodėl klaidinga „Les Demoiselles d'Avignon“ žiūrėti kaip paveikslą „apie“ viešnamius, prostitutes ar kolonializmą.

Šaltinis:
1. Pablo pankai pateikė Jonathanas Jonesas, Globėjas , 2007 m. sausio 9 d.

'Moteris su gitara' - Georges Braque

'Moteris su gitara' - Georges Braque. Nepriklausomas žmogus / Flickr

Georges'as Braque'as, Moteris su gitara , 1913. Aliejus ir anglis ant drobės. 51 1/4 x 28 3/4 colio (130 x 73 cm). Nacionaliniame modernaus meno muziejuje, Georges Pompidou centre, Paryžiuje.

Raudonoji studija - Henri Matisse

Raudonoji studija - Henri Matisse. Liane / Lil'bear / Flickr

Šis paveikslas yra kolekcijoje Modernaus meno muziejus (Moma) Niujorke. Jame parodytas Matisse'o tapybos studijos interjeras su išlyginta perspektyva arba viena paveikslo plokštuma. Jo studijos sienos iš tikrųjų buvo ne raudonos, o baltos; jis savo paveiksle naudojo raudoną spalvą siekdamas efekto.

Jo studijoje eksponuojami įvairūs jo meno kūriniai ir studijos baldų detalės. Jo studijoje esančių baldų kontūrai yra dažų linijos, atskleidžiančios spalvą iš apatinio, geltonos ir mėlynos spalvos sluoksnių, o ne dažytos ant raudonos spalvos.

1. „Kampuotos linijos rodo gylį, o mėlynai žalia lango šviesa sustiprina vidinės erdvės pojūtį, o raudonos spalvos platumas išlygina vaizdą. Matisse'as sustiprina šį efektą, pavyzdžiui, praleisdamas vertikalią kambario kampo liniją.
-- MoMA Highlights, išleido Moma, 2004, 77 psl.

2. „Visi elementai... paskandina savo individualias tapatybes tame, kas tapo užsitęsusia meditacija apie meną ir gyvenimą, erdvę, laiką, suvokimą ir pačios tikrovės prigimtį... Vakarų tapybos kryžkelėje, kur klasika žvelgia į išorę. , daugiausia reprezentacinis praeities menas atitiko laikiną, internalizuotą ir savireferencinį ateities etosą...“
- Hilary Spurling, , 81 psl.

Šokis - Henri Matisse

Įžymių menininkų paveikslų galerija Henri Matisse'o „Šokis“ (viršuje) ir jo sukurtas aliejinis eskizas (apačioje). Nuotraukos Cate Gillon (viršuje) ir Sean Gallup (apačioje) / Getty Images

Viršutinėje nuotraukoje matomas baigtas Matiso paveikslas pavadinimu Šokis , baigtas 1910 m. ir dabar yra Valstybiniame Ermitažo muziejuje Sankt Peterburge, Rusijoje. Apatinėje nuotraukoje parodyta viso dydžio kompozicinė studija, kurią jis padarė paveikslui MOMA Niujorke, JAV. Matisse'as jį nutapė rusų meno kolekcininko Sergejaus Ščiukino užsakymu.

Tai didžiulis paveikslas, beveik keturių metrų pločio ir dviejų su puse metro aukščio (12' 9 1/2' x 8' 6 1/2'), nutapytas trijų spalvų palete: raudona. , žalia ir mėlyna. Manau, kad tai paveikslas, parodantis, kodėl Matisse'as turi tokią koloristo reputaciją, ypač kai palygini studiją su galutiniu paveikslu su spindinčiomis figūromis.

Savo Matisse'o biografijoje (30 puslapyje) Hilary Spurling sako:

Tie, kurie matė pirmąją versiją Šokis apibūdino jį kaip blyškų, subtilų, net svajingą, nudažytą spalvomis, kurios buvo padidintos... antrojoje versijoje į nuožmų, plokščią raudonos spalvos figūrų frizą, virpantį ryškiai žalios ir dangaus juostose. Amžininkai paveikslą laikė pagonišku ir dionisišku“.

Atkreipkite dėmesį į išlygintą perspektyvą, kaip figūros yra tokio pat dydžio, o ne tos, kurios yra toliau nuo mažesnės, kaip tai atsirastų perspektyvoje arba sutrumpėtų reprezentaciniams paveikslams. Kaip linija tarp mėlynos ir žalios už figūrų yra išlenkta, atkartojanti figūrų ratą.

„Paviršius buvo nuspalvintas iki prisotinimo, iki taško, kur mėlyna, absoliučios mėlynos spalvos idėja, buvo galutinai egzistuojanti. Ryškiai žalia žemei ir ryškiai raudona kūnams. Su šiomis trim spalvomis turėjau savo šviesos harmoniją ir tonų grynumą. -- Matisas

Šaltinis:
„Įvadas į parodą „Iš rusų“ mokytojams ir studentams“, autorius Greg Harris, Karališkoji menų akademija, Londonas, 2008 m.

Įžymūs dailininkai: Willemas de Kooningas

Willemas de Kooningas tapė savo studijoje Easthamptone, Long Ailende, Niujorke, 1967 m. Benas Van Meerondonkas / Hultono archyvas / Getty Images

Tapytojas Willemas de Kooningas gimė Roterdame, Nyderlanduose 1904 m. rugpjūčio 24 d. ir mirė Long Ailende, Niujorke, 1997 m. kovo 19 d. De Kooningas, būdamas 12 metų, mokėsi komercinėje meno ir dekoravimo firmoje ir lankė vakarinius užsiėmimus aštuonerius metus Roterdamo dailės ir technikos akademijoje. 1926 m. emigravo į JAV, o 1936 m. pradėjo tapyti visu etatu.

De Kooning tapybos stilius buvo abstraktusis ekspresionizmas. 1948 m. jis surengė savo pirmąją personalinę parodą Charles Egan galerijoje Niujorke, kurioje buvo nespalvotų emalio dažų darbai. (Jis pradėjo naudoti emalinius dažus, nes negalėjo sau leisti įsigyti menininko pigmentų.) Iki šeštojo dešimtmečio jis buvo pripažintas vienu iš abstrakčiojo ekspresionizmo lyderių, nors kai kurie šio stiliaus puristai manė, kad jo paveikslai (pvz. Moteris serija) įtraukta per daug žmogaus pavidalo.

Jo paveiksluose yra daug sluoksnių, elementai sutampa ir paslėpti, kai jis perdirbo ir perdirbo paveikslą. Leidžiama rodyti pakeitimus. Pradinei kompozicijai ir tapydamas jis daug piešė ant savo drobių anglimi. Jo teptukas yra gestinis, išraiškingas, laukinis, už potėpių jaučiamas energijos jausmas. Paskutiniai paveikslai atrodo padaryti, bet nebuvo.

De Kooningo meninė produkcija apėmė beveik septynis dešimtmečius ir apėmė paveikslus, skulptūras, piešinius ir spaudinius. Paskutiniai jo paveikslai „Šaltinis“ devintojo dešimtmečio pabaigoje. Garsiausi jo paveikslai yra Rožiniai angelai (apie 1945 m.), Kasimas (1950), ir jo trečioji Moteris serialas (1950–1953), sukurtas tapybiškesniu stiliumi ir improvizaciniu požiūriu. 1940-aisiais jis vienu metu dirbo abstrakčiu ir reprezentaciniu stiliumi. Jo proveržis įvyko su nespalvotomis abstrakčiomis 1948–1949 m. kompozicijomis. Šeštojo dešimtmečio viduryje jis piešė urbanistines abstrakcijas, septintajame dešimtmetyje grįžo prie figuracijos, o aštuntajame dešimtmetyje – prie didelių gestų abstrakcijų. Devintajame dešimtmetyje de Kooningas pradėjo dirbti su lygiais paviršiais, stiklindamas ryškiomis, skaidriomis spalvomis ant gestų piešinių fragmentų.

Amerikos gotika – Grantas Woodas

Kuratorė Jane Milosch Smithsonian Amerikos meno muziejuje kartu su garsiuoju Granto Woodo paveikslu „Amerikietiška gotika“. Paveikslo dydis: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 colio). Aliejiniai dažai ant Bebro lentos. Shealah Craighead / Baltieji rūmai / Getty Images

Amerikos gotika yra bene garsiausias iš visų kada nors sukurtų amerikiečių menininko Granto Woodo paveikslų. Dabar jis yra Čikagos meno institute.

Grantas Woodas 1930 m. nutapė „Amerikietišką gotiką“. Jame pavaizduotas vyras ir jo dukra (ne žmona)¹) stovintys priešais savo namą. Grantas pamatė pastatą, kuris įkvėpė paveikslą Eldone, Ajovoje. Architektūrinis stilius yra amerikietiška gotika, todėl paveikslas ir įgyja savo pavadinimą. Paveikslo modeliai buvo Woodo sesuo ir jų odontologė.^du. Paveikslas parašytas prie apatinio krašto, ant vyriško kombinezono, su dailininko pavarde ir metais (Grant Wood 1930).

Ką reiškia piešinys? Woodas norėjo, kad tai būtų orus vidurio vakarų amerikiečių charakterio perteikimas, parodantis jų puritonišką etiką. Bet tai galėtų būti vertinama kaip komentaras (satyra) apie kaimo gyventojų nepakantumą pašaliniams asmenims. Simbolika paveiksle apima sunkų darbą (šakutė) ir buitiškumą (gėlių vazonai ir kolonijinio rašto prijuostė). Jei atidžiai įsižiūrėsite, pamatysite, kaip trys šakės šakės atsiliepia vyriško kombinezono siūlėse, tęsiančiose marškinių juosteles.

^{Šaltinis:
Amerikos gotika , Čikagos meno institutas, gautas 2011 m. kovo 23 d.}

„Šv. Jono Kryžiaus Kristus“ – Salvadoras Dali

Kryžiaus Jono Kristus, Salvadoro Dali, Kelvingrove meno galerijos kolekcija, Glazgas. Jeffas J Mitchellas / Getty Images

Šis paveikslas, kurį sukūrė Salvadoras Dali yra kolekcijoje Kelvingrove meno galerija ir muziejus Glazge, Škotijoje. Pirmą kartą jis buvo parodytas galerijoje 1952 m. birželio 23 d. Paveikslas buvo nupirktas už 8 200 svarų sterlingų, o tai buvo laikoma didele kaina, nors į jį buvo įtrauktos autorių teisės, kurios leido galerijai uždirbti atgaminimo mokesčius (ir parduoti daugybę atvirukų!) .

Dali buvo neįprasta parduoti paveikslo autorių teises, bet jam reikėjo pinigų. (Autorių teisės lieka atlikėjui, nebent jos pasirašytos, žr Atlikėjo autorių teisių DUK .)

„Matyt, turėdamas finansinių sunkumų, Dali iš pradžių prašė 12 000 svarų sterlingų, bet po sunkių derybų... jis pardavė jį beveik trečdaliu pigiau ir 1952 m. pasirašė laišką [Glazgo] miestui, kuriuo perdavė autorių teises.

Paveikslo pavadinimas yra nuoroda į piešinį, kuris įkvėpė Dali. Piešimas rašikliu ir tušu buvo atliktas po šventojo Kryžiaus Jono (Ispanijos vienuolio karmelito, 1542–1591 m.) regėjimo, kuriame jis matė Kristaus nukryžiavimą taip, tarsi žiūrėtų į jį iš viršaus. Kompozicija stebina savo neįprastu požiūriu į Kristaus nukryžiavimą, apšvietimas yra dramatiškas ir stiprus. šešėliai , ir puikiai panaudotas sutrumpinimas paveiksle. Paveikslo apačioje esantis peizažas – Dali gimtojo miesto uostas Port Lligat Ispanijoje.
Paveikslas buvo prieštaringas daugeliu atžvilgių: už jį sumokėta suma; tema; stilius (kuris pasirodė retro, o ne modernus). Daugiau apie paveikslą skaitykite galerijos svetainėje.

Šaltinis:
' Siurrealistinis Dali atvaizdų atvejis ir kova dėl meninės licencijos Severin Carrell, Globėjas , 2009 m. sausio 27 d

Kempbelo sriubos skardinės – Andy Warholas

Andy Warholo sriubos skardos paveikslai. Tjeerd Wiersma / Flickr

Andy Warholo detalė Kempbelo sriubos skardinės . Akrilas ant drobės. 32 paveikslai, kiekvienas 20x16' (50,8x40,6 cm). Kolekcijoje Modernaus meno muziejus (MoMA) Niujorke.

Pirmą kartą Warholas savo Kempbelo sriubos skardinių paveikslų seriją eksponavo 1962 m., o kiekvieno paveikslo dugnas gulėjo ant lentynos kaip skardinė prekybos centre. Serijoje yra 32 paveikslai, tiek sriubos rūšių, kurias tuo metu pardavė Campbell's.

Jei įsivaizduotumėte, kad Warholas savo sandėliuką aprūpina sriubos skardinėmis, o baigęs tapyti valgo skardinę, atrodo, kad ne. Remiantis Momos svetaine, Warholas naudojo Campbell's produktų sąrašą, kad kiekvienam paveikslui priskirtų skirtingą skonį.

Paklaustas apie tai, Warholas atsakė:

'Aš jį gerdavau. Aš valgau tuos pačius pietus kiekvieną dieną, dvidešimt metų, manau, vis tą patį.¹

Warholas taip pat, matyt, neturėjo tvarkos, kuria norėjo, kad būtų rodomi paveikslai. Moma paveikslus rodo „eilėse, kurios atspindi chronologinę [sriubų] pristatymo tvarką, pradedant nuo „Pomidorų“ viršutiniame kairiajame kampe, kuris debiutavo m. 1897 m.

Taigi, jei piešiate seriją ir norite, kad jos būtų rodomos tam tikra tvarka, būtinai kur nors tai užsirašykite. Galinis drobių kraštas tikriausiai yra geriausias, nes tada jis neatsiskirs nuo paveikslo (nors jis gali pasislėpti, jei paveikslai bus įrėminti).

Warholas yra menininkas, kurį dažnai mini tapytojai, norintys kurti išvestinius darbus. Prieš atliekant panašius veiksmus, verta atkreipti dėmesį į du dalykus:

1. Įjungta Mamos svetainė , yra Campbell's Soup Co licencijos nuoroda (t. y. licencijavimo sutartis tarp sriubos įmonės ir menininko turto).
2. Panašu, kad Warholo laikais autorių teisių įgyvendinimas buvo mažiau aktualus. Nedarykite autorių teisių prielaidų remdamiesi Warholo darbais. Atlikite tyrimą ir nuspręskite, koks jūsų susirūpinimas dėl galimo autorių teisių pažeidimo atvejo.

Campbellas nepavedė Warholui nupiešti paveikslų (nors vėliau 1964 m. jie užsakė juos išeinančiam valdybos pirmininkui) ir nerimavo, kai prekės ženklas pasirodė Warholo paveiksluose 1962 m. buvo prie paveikslų. 2004, 2006 ir 2012 m. Campbell's pardavinėjo skardines su specialiomis Warholo atminimo etiketėmis.

<sub>Šaltinis:
1. Kaip cituojama Mama , žiūrėta 2012 m. rugpjūčio 31 d.</sub>

Didesni medžiai netoli Warterio – Davidas Hockney

David Hockney Didesni medžiai netoli Warterio. Viršuje: Dan Kitwood / Getty Images. Apačia: Bruno Vincento / Getty Images nuotrauka

Į viršų: Menininkas Davidas Hockney stovi šalia dalies savo aliejinės tapybos paveikslo „Didesni medžiai netoli Warterio“, kurį 2008 m. balandžio mėn. padovanojo Tate Britain.

Apačia: Paveikslas pirmą kartą buvo eksponuojamas 2007 m. vasaros parodoje Karališkojoje Londono akademijoje ir užėmė visą sieną.

Davido Hockney aliejinis paveikslas „Didesni medžiai prie Varterio“ (taip pat vadinamas Plenero tapyba postfotografiniam amžiui ) vaizduoja sceną netoli Bridlingtono Jorkšyre. Paveikslas pagamintas iš 50 drobių, išdėstytų viena šalia kitos. Sudėjus, bendras paveikslo dydis yra 40x15 pėdų (4,6x12 metrų).

Tuo metu, kai Hockney jį nutapė, tai buvo didžiausias jo kada nors atliktas kūrinys, nors ir ne pirmas, kurį jis sukūrė naudodamas kelias drobes.

' Tai padariau, nes supratau, kad galiu tai padaryti be kopėčių. Kai piešiate, turite turėti galimybę atsitraukti. Na, yra menininkų, kurie buvo nužudyti atsitraukdami nuo kopėčių, ar ne? '
-- Hockney cituojamas a Reuter naujienų reportažas, 2008 m. balandžio 7 d.

Komponuodamas ir tapydamas Hockney naudojo piešinius ir kompiuterį. Užbaigus atkarpą, buvo padaryta nuotrauka, kad jis matytų visą paveikslą kompiuteryje.

„Pirma, Hockney nubrėžė tinklelį, rodantį, kaip scena tilptų daugiau nei 50 plokščių. Tada jis pradėjo dirbti su atskiromis plokštėmis vietoje. Kai jis dirbo su jais, jos buvo nufotografuotos ir paverstos kompiuterine mozaika, kad jis galėtų stebėti savo pažangą, nes vienu metu ant sienos galėjo turėti tik šešias plokštes.

Šaltinis:
Charlotte Higgins, globėjas meno korespondentas, Hockney dovanoja didžiulį darbą Tate'ui , 2008 m. balandžio 7 d.

Henry Moore'o karo paveikslai

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension, Henry Moore 1941. Rašalas, akvarelė, vaškas ir pieštukas ant popieriaus. Tate'as atkurtas Henry Moore fondo leidimu

The Henry Moore paroda Tate Britain galerijoje Londone vyko nuo 2010 m. vasario 24 d. iki rugpjūčio 8 d.

Britų menininkas Henry Moore'as labiausiai žinomas dėl savo skulptūrų, bet taip pat žinomas dėl savo rašalo, vaško ir akvarelės paveikslų, kuriuose Antrojo pasaulinio karo metais Londono metro stotyse glaudėsi žmonės. Moore'as buvo oficialus karo menininkas, o 2010 m Henry Moore paroda Tate Britain galerijoje yra jiems skirtas kambarys. Nuo 1940 m. rudens iki 1941 m. vasaros jo vaizduojamos miegančios figūros, besispiečiančios traukinių tuneliuose, užfiksavo kančios jausmą, kuris pakeitė jo reputaciją ir paveikė populiarų „Blitz“ suvokimą. Jo šeštojo dešimtmečio darbai atspindėjo karo pasekmes ir tolesnio konflikto perspektyvą.

Moore'as gimė Jorkšyre ir studijavo Lidso meno mokykloje 1919 m., po tarnybos Pirmajame pasauliniame kare. 1921 m. jis laimėjo Londono karališkojo koledžo stipendiją. Vėliau jis dėstė Karališkajame koledže ir Chelsea meno mokykloje. Nuo 1940 m. Moore'as gyveno Perry Green mieste Hertfordšyre, kuriame dabar gyvena Henry Moore fondas . 1948 m. Venecijos bienalėje Moore'as laimėjo Tarptautinį skulptūros apdovanojimą.

„Frankas“ – Chuckas Arti

„Frankas“ – Chuckas Arti. Timas Wilsonas / „Flickr“.

Chuck Close „Frank“, 1969 m. Akrilas ant drobės. Dydis 108 x 84 x 3 coliai (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Viduje Mineapolio meno institutas .

Luciano Freudo autoportretas ir fotoportretas

Kairėje: Luciano Freudo „Autoportretas: atspindys“ (2002 m.) 26 x 20 colių (66 x 50,8 cm). Aliejus ant drobės. Dešinėje: portretas, darytas 2007 m. gruodžio mėn. Scott Wintrow / Getty Images

Menininkas Lucianas Freudas garsėja savo intensyviu, negailestingu žvilgsniu, tačiau, kaip rodo šis autoportretas, jis atkreipia jį į save, ne tik į savo modelius.

1. „Manau, kad puikus portretas yra susijęs su... jausmu ir individualumu, pagarbos intensyvumu ir susitelkimu į konkretų dalyką“.¹
2. '...turite pabandyti nupiešti save kaip kitą asmenį. Su autoportretais „panašumas“ tampa kitoks dalykas. Aš turiu daryti tai, ką jaučiu, nebūdamas ekspresionistas.^du

<sup>Šaltinis:
1. Lucianas Freudas, cituojamas Freud at Work p32-3. 2. Lucianas Freudas, cituojamas Williamo Feaverio knygoje Lucian Freud (Tate Publishing, Londonas, 2002), p43.</sup>

„Monos Lizos tėvas“ – Man Ray

Man Ray „Monos Lizos tėvas“. Neologizmas / Flickr

Man Ray „Monos Lizos tėvas“, 1967 m. Ant medienos plaušų plokštės pritvirtinto piešinio reprodukcija su cigaru. Dydis 18 x 13 5/8 x 2 5/8 colių (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Kolekcijoje Hirshorn muziejus .

Daugelis žmonių Man Ray asocijuojasi tik su fotografija, tačiau jis taip pat buvo menininkas ir tapytojas. Jis draugavo su menininku Marceliu Duchampu ir bendradarbiavo su juo.

1999 m. gegužės mėn. Meno naujienos žurnalas įtraukė Man Ray į 25 įtakingiausių XX amžiaus menininkų sąrašą už jo fotografijas ir „kino, tapybos, skulptūros, koliažo, asambliažo tyrinėjimus“. Šie prototipai ilgainiui bus pavadinti performanso menu ir konceptualiu menu.

Meno naujienos sakė:

„Manas Ray'us visose žiniasklaidos priemonėse menininkams pasiūlė kūrybinio intelekto pavyzdį, kuris „siekdamas malonumo ir laisvės“ [Mano Rėjaus nurodyti pagrindiniai principai] atrakino visas duris ir ėjo laisvai, kur norėjo. Naujienos, 1999 m. gegužės mėn., AD Coleman „Sąmoningas provokatorius“.)

Šis kūrinys „Monos Lizos tėvas“ parodo, kaip gana paprasta idėja gali būti veiksminga. Sunkioji dalis yra pirmiausia sugalvoti idėją; kartais jie ateina kaip įkvėpimo blyksnis; kartais kaip idėjų šturmo dalis; kartais plėtojant ir vykdant koncepciją ar mintį.

Įžymūs dailininkai: Yvesas Kleinas

Charles Wilp / Smithsonian institutas / Hirshhorn muziejus

Retrospektyvus: Yves Klein paroda Hirshhorn muziejuje Vašingtone, JAV, nuo 2010 m. gegužės 20 d. iki 2010 m. rugsėjo 12 d.

Menininkas Yvesas Kleinas tikriausiai labiausiai žinomas dėl savo monochromatinių meno kūrinių, kuriuose yra jo ypatinga mėlyna spalva (pvz., žr. „Gyvas teptukas“). IKB arba International Klein Blue yra jo sukurtas ultramarino mėlynas.

Vadindamas save „erdvės tapytoju“, Kleinas „per grynas spalvas siekė pasiekti nematerialų dvasingumą“ ir domėjosi „šiuolaikinėmis sąvokomis apie konceptualų meno prigimtį“.¹.

Kleinas turėjo palyginti trumpą karjerą, mažiau nei dešimt metų. Pirmasis jo viešas darbas buvo menininko knyga Yveso paveikslai („Yves Paintings“), išleista 1954 m. Pirmoji vieša jo paroda buvo 1955 m. Jis mirė nuo širdies smūgio 1962 m., būdamas 34 metų. Kleino gyvenimo laiko juosta nuo Yveso Kleino archyvas .)

<sub>Šaltinis:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, žiūrėta 2010 m. gegužės 13 d.</sub>

„Gyvasis teptukas“ – Yvesas Kleinas

Be pavadinimo (ANT154) Yves Klein. Pigmentas ir sintetinė derva ant popieriaus, ant drobės. 102x70 colių (259x178 cm). San Francisko modernaus meno muziejaus (SFMOMA) kolekcijoje. Davidas Marwickas / „Flickr“.

Šis prancūzų dailininko paveikslas Yvesas Kleinas (1928–1962) yra viena iš serijų, kuriose jis naudojo „gyvus teptukus“. Jis padengė nuogas moterų modelius savo mėlynais dažais (International Klein Blue, IKB), o po to performanso meno kūriniu prieš publiką „nupiešė“ jomis ant didelių popieriaus lapų, nukreipdamas juos žodžiu.

Pavadinimas „ANT154“ kilęs iš meno kritiko Pierre'o Restany komentaro, kuriame paveikslai buvo apibūdinami kaip „mėlynojo laikotarpio antropometrijos“. Kleinas kaip serijos pavadinimą panaudojo akronimą ANT.

Juoda tapyba – Ad Reinhardt

Amy Sia / Flickr's Black Painting' id='mntl-sc-block-image_2-0-217' />

Skelbimas Reinhardto juodasis paveikslas. Amy Sia / Flickr

„Kažkas negerai, neatsakinga ir beprasmiška dėl spalvos; kažkas, ko neįmanoma kontroliuoti. Kontrolė ir racionalumas yra mano moralės dalis. -- Ad Reinhard 1960 m¹

Šis vienspalvis amerikiečių menininko Ad Reinhardt (1913–1967) paveikslas yra Niujorko Modernaus meno muziejuje (Moma). Jis yra 60 x 60 colių (152,4 x 152,4 cm), aliejus ant drobės, nutapytas 1960–1961 m. Pastarąjį dešimtmetį ir dalį savo gyvenimo (mirė 1967 m.) Reinhardtas savo paveiksluose naudojo tik juodą spalvą.

Amy Sia , kuris padarė nuotrauką, sako, kad tvarkdarys nurodo, kaip paveikslas yra padalintas į devynis kvadratus, kurių kiekvienas yra skirtingo juodos spalvos atspalvio.

Nesijaudinkite, jei to nematote nuotraukoje. Sunku įžiūrėti net stovint priešais paveikslą. Joje esė apie Reinhardtą Guggenheimo atveju Nancy Spector Reinhardto drobes apibūdina kaip „prislopintus juodus kvadratus su vos pastebimomis kryžminėmis formomis, kurios meta iššūkį matomumo riboms“.^du.

<sup>Šaltinis:
1. Spalva str John Gage, 205 p
2. Reinhardt, Nancy Spector, Guggenheimo muziejus (Žiūrėta 2013 m. rugpjūčio 5 d.)</sup>

Johno Virtue'o Londono tapyba

Jokūbas Appelbaumas / Flickr' id='mntl-sc-block-image_2-0-221' />

Balti akriliniai dažai, juodas rašalas ir šelakas ant drobės. Londono nacionalinės galerijos kolekcijoje. Jokūbas Appelbaumas / Flickr

Britų menininkas Johnas Virtue'as nuo 1978 m. piešė abstrakčius peizažus tik nespalvotai. Londono nacionalinės galerijos sukurtame DVD diske Virtue sako, kad darbas juodai baltas verčia jį „būti išradingam... išradinėti iš naujo“. Spalvų vengimas „pagilina mano pojūtį apie tai, kokia spalva yra… To, ką aš matau, jausmas… geriausias, tiksliau ir labiau perteikiamas, kai neturiu aliejinių dažų paletės. Spalva būtų aklavietė.

Tai vienas iš Johno Virtue'o Londono paveikslų, padarytų jam dirbant asocijuotas menininkas Nacionalinėje galerijoje (2003–2005 m.). The Nacionalinės galerijos svetainė apibūdina Virtue paveikslus kaip „artimus su rytietiška tapyba teptuku ir amerikietišku abstrakčiuoju ekspresionizmu“ ir glaudžiai susijusius su „didžiais anglų peizažų tapytojais Turneriu ir Constable, kuriais Virtue nepaprastai žavisi“, taip pat yra paveikti „olandų ir flamandų peizažų“. Ruisdaelis, Koninckas ir Rubensas.

Dorybė jo paveikslams pavadinimų nesuteikia, o tik skaičius. Interviu 2005 m. balandžio mėn Dailininkai ir iliustratoriai žurnale, Virtue sako, kad savo darbus chronologiškai pradėjo numeruoti dar 1978 m., kai pradėjo dirbti nespalvota spalva:

„Nėra jokios hierarchijos. Nesvarbu, ar tai 28 pėdos, ar trys coliai. Tai neverbalinis mano egzistavimo dienoraštis.

Jo paveikslai tiesiog vadinami „Peizažas Nr.45“ arba „Peizažas Nr.630“ ir pan.

Meno dėžė – Michaelas Landy

Parodų ir garsių paveikslų nuotraukos, kad praplėstumėte savo meno žinias. Nuotraukos iš Michaelo Landy parodos „The Art Bin“ Pietų Londono galerijoje. Viršuje: stovint šalia šiukšliadėžės tikrai jaučiamas masto pojūtis. Apačioje kairėje: dalis meno šiukšliadėžėje. Apačioje dešinėje: sunkus įrėmintas paveikslas, kuris netrukus taps šiukšle. Nuotrauka 2010 Marion Boddy-Evans. Licencijuota About.com, Inc.

vyko menininko Michaelo Landy paroda „Art Bin“. Pietų Londono galerija nuo 2010 m. sausio 29 d. iki kovo 14 d. Koncepcija yra didžiulė (600 m³) galerijos erdvėje įmontuota šiukšliadėžė, kurioje metamas menas, „paminklas kūrybinei nesėkmei“¹.

Bet ne bet koks senas menas; jūs turėjote pateikti prašymą mesti savo meną į šiukšliadėžę internete arba galerijoje, o Michaelas Landy arba vienas iš jo atstovų nuspręstų, ar jis gali būti įtrauktas, ar ne. Jei buvo priimtas, jis buvo išmestas į šiukšliadėžę iš bokšto viename gale.

Kai buvau parodoje, buvo įmesta keletas gabalų, o mėtantis žmogus turėjo daug praktikos, nes sugebėjo vieną paveikslą nuslysti tiesiai į kitą konteinerio pusę.

Meno interpretacija nukreipia kelią, kada/kodėl menas laikomas gėriu (arba šiukšle), menui priskiriamos vertės subjektyvumu, meno kolekcionavimo aktu, meno kolekcionierių ir galerijų galia kurti ar sugriauti menininko karjerą.

Be abejo, buvo įdomu pasivaikščioti po šonus žiūrint, kas buvo įmesta, kas sulūžo (daug polistireno gabalų), o kas ne (dauguma paveikslų ant drobės buvo sveiki). Kažkur apačioje buvo didelis kaukolės atspaudas, dekoruotas Damieno Hirsto stiklu ir Tracey Emin kūriniu. Galiausiai tai, kas galėtų būti, būtų perdirbta (pavyzdžiui, popieriniai ir drobiniai neštuvai), o likusieji bus nuvežti į sąvartyną. Palaidotas kaip šiukšlės, mažai tikėtina, kad po šimtmečių bus iškastas archeologo.

_{Šaltinis:
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), Pietų Londono galerijos svetainė, atidaryta 2010 m. kovo 13 d.}

Barackas Obama – Shepardas Fairey

Shepard Fairey „Barackas Obama“ (2008). Trafaretas, koliažas ir akrilas ant popieriaus. 60 x 44 colių. Nacionalinė portretų galerija, Vašingtonas. Heather ir Tony Podesta kolekcijos dovana Mary K Podesta garbei. Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Šį JAV politiko Baracko Obamos paveikslą, mišrios medijos trafaretinį koliažą, sukūrė Los Andžele gyvenantis gatvės menininkas, Shepardas Fairey . Tai buvo centrinis portretinis vaizdas, naudotas 2008 m. Obamos prezidento rinkimų kampanijoje ir platinamas kaip riboto tiražo spaudinys ir nemokamas atsisiuntimas. Dabar jis yra Nacionalinėje portretų galerijoje Vašingtone.

1. „Norėdamas sukurti savo Obamos plakatą (ką jis padarė per mažiau nei savaitę), Fairey iš interneto paėmė kandidato naujienų nuotrauką. Jis ieškojo Obamos, kuri atrodytų kaip prezidentinė. ... Tada menininkas supaprastino linijas ir geometriją, panaudodamas raudoną, baltą ir mėlyną patriotinę paletę (su kuria jis žaidžia baltą paversdamas smėlio spalvos, o mėlyną pasteliniu atspalviu)... paryškinti žodžiai...
2. „Jo Obamos plakatai (ir daugybė jo komercinių bei vaizduojamojo meno kūrinių) yra revoliucinių propagandistų technikų perdirbimas – ryškios spalvos, drąsios raidės, geometrinis paprastumas, herojiškos pozos“.

Šaltinis : ,
„Obamos pritarimas ant sienos“ pateikė William Booth, Washington Post 2008 m. gegužės 18 d.

„Requiem, baltos rožės ir drugeliai“ – Damienas Hirstas

Damieno Hirsto „Requiem, baltos rožės ir drugeliai“ (2008). 1500 x 2300 mm. Aliejus ant drobės. Damieno Hirsto ir „The Wallace Collection“ sutikimas. Prudence Cuming Associates Ltd / Damienas Hirstas

Britų menininkas Damienas Hirstas labiausiai žinomas dėl formaldehido konservuotų gyvūnų, tačiau būdamas 40-ies grįžo prie tapybos aliejiniais dažais. 2009 m. spalį jis pirmą kartą Londone eksponavo paveikslus, sukurtus 2006–2008 m. Tai dar nežymaus garsaus menininko paveikslo pavyzdys kilęs iš jo paroda Wallace kolekcijoje Londone pavadinimu „No Love Lost“. (Datos: 2009 m. spalio 12 d. – 2010 m. sausio 24 d.)

BBC naujienos citavo Hirstas

„Dabar jis piešia tik rankomis“, kad dvejus metus jo „paveikslai buvo gėdingi ir aš nenorėjau, kad kas nors įeitų“. ir kad jis „pirmą kartą nuo paauglystės dailės studento turėjo iš naujo mokytis tapyti“.¹

Wallace parodos pranešime spaudai sakoma:

„Mėlynieji paveikslai“ liudija apie naują drąsią jo kūrybos kryptį; paveikslų serija, kuri, menininko žodžiais tariant, yra „giliai susijusi su praeitimi“.

Dažų dažymas ant drobės tikrai yra nauja Hirstui kryptis, o ten, kur Hirstas eina, greičiausiai seks meno studentai. Aliejinė tapyba vėl gali tapti madinga.

„About.com“ kelionių į Londoną vadovas Laura Porter apsilankė Hirsto parodos spaudoje ir gavo atsakymą į vieną klausimą, kurio norėjau sužinoti: kokius mėlynus pigmentus jis naudojo?

Laurai buvo pasakyta, kad Prūsijos mėlyna visiems, išskyrus vieną iš 25 paveikslų, kuris yra juodas. Nenuostabu, kad ji tokia tamsi, smilkstanti mėlyna!

Meno kritikas Adrianas Searle'as Globėjas nebuvo labai palankus Hirsto paveikslams:

„Blogiausiu atveju Hirsto piešinys atrodo mėgėjiškai ir paaugliškai. Jo teptuku trūksta tos veržlumo ir įmantrumo, kuris verčia patikėti tapytojo melu. Jis dar negali to nusinešti.^du

_{Šaltinis:
1 Hirstas „Atsisako marinuotų gyvūnų“ , BBC News, 2009 m. spalio 1 d
du.' Damieno Hirsto paveikslai yra mirtinai nuobodu “, Adrianas Searle'as, globėjas , 2009 m. spalio 14 d.}

Įžymūs menininkai: Antony Gormley

Menininkas Antony Gormley (pirmajame plane) pirmąją savo ketvirtojo cokolio instaliacijos meno kūrinio dieną Trafalgaro aikštėje Londone. Jimas Dysonas / Getty Images

Antony Gormley yra britų menininkas, ko gero, labiausiai žinomas dėl savo skulptūros „Šiaurės angelas“, atidengta 1998 m.. Ji stovi Taineside, šiaurės rytų Anglijoje, vietoje, kuri kažkada buvo kalnakasė ir pasitinka jus savo 54 metrų pločio sparnais.

2009 m. liepos mėn. Gormley instaliacijos meno kūriniai ant Ketvirtojo cokolio Trafalgaro aikštėje Londone pamatė savanorią, stovintį ant cokolio valandą 24 valandas per parą 100 dienų. Skirtingai nuo kitų Trafalgaro aikštės cokolių, ketvirtajame cokolyje, esančiame tiesiai už Nacionalinės galerijos, nėra nuolatinės statulos. Kai kurie dalyviai patys buvo menininkai ir nubrėžė savo neįprastą požiūrį (nuotrauka).

Antony Gormley gimė 1950 m. Londone. Jis studijavo įvairiose Jungtinės Karalystės kolegijose ir budizmo Indijoje bei Šri Lankoje, o 1977–1979 m. daugiausia dėmesio skyrė skulptūrai Slade meno mokykloje Londone. Pirmoji jo personalinė paroda buvo Whitechapel meno galerijoje 1981 m. 1994 m. Gormley laimėjo Turnerio premiją su savo „Field for the British Isles“.

Jo biografija ant jo Interneto svetainė sako:

...Antony Gormley atgaivino žmogaus įvaizdį skulptūroje radikaliai tyrinėdamas kūną kaip atminties ir transformacijos vietą, naudodamas savo kūną kaip subjektą, įrankį ir medžiagą. Nuo 1990 m. jis išplėtė savo susirūpinimą žmogaus būkle, tyrinėdamas kolektyvinį kūną ir santykį tarp savęs ir kito didelio masto instaliacijose...

Gormley nekuria tokio tipo figūrų, kaip jis, nes negali daryti tradicinio stiliaus statulų. Greičiau jis džiaugiasi skirtingumu ir gebėjimu juos interpretuoti. Interviu su Laikai ¹, jis pasakė:

„Tradicinės statulos kalba ne apie potencialą, o apie tai, kas jau yra užbaigta. Jie turi moralinį autoritetą, kuris yra slegiantis, o ne bendradarbiaujantis. Mano darbai pripažįsta savo tuštumą.

^{Šaltinis:
Antony Gormley, Žmogus, kuris sulaužė pelėsį, John-Paul Flintoff, „The Times“, 2008 m. kovo 2 d.}

Įžymūs šiuolaikiniai britų tapytojai

Šiuolaikiniai tapytojai. Peteris Macdiarmidas / „Getty Images“.

Iš kairės į dešinę menininkai Bobas ir Roberta Smithas, Billas Woodrowas, Paula Rego , Michaelas Craigas-Martinas, Maggi Hambling , Brianas Clarke'as, Cathy de Moncheaux, Tomas Phillipsas, Benas Johnsonas, Tomas Hunteris, Piteris Bleikas ir Alison Watt.

Proga buvo paveikslo apžiūra Diana ir Akteonas Ticianas (nematomas, kairėje) Nacionalinėje galerijoje Londone, siekdamas surinkti lėšų paveikslui galerijai nupirkti.

Įžymūs menininkai: Lee Krasneris ir Jacksonas Pollockas

Lee Krasneris ir Jacksonas Pollockas rytiniame Hamptone, maždaug. 1946. Nuotrauka 10x7 cm. Jacksono Pollocko ir Lee Krasnerio dokumentai, apytiksliai. 1905-1984 m. Amerikos meno archyvas, Smithsonian Institute. Ronaldo Steino / Jacksono Pollocko ir Lee Krasnerio dokumentai

Iš šių dviejų tapytojų Džeksonas Pollockas yra garsesnis nei Lee Krasneris, tačiau be jos paramos ir jo meno kūrinių reklamavimo jis gali neturėti vietos meno laiko juostoje. Abu nutapyti abstrakčiu ekspresionistiniu stiliumi. Krasner kovojo už kritikų pripažinimą pati, o ne tik buvo laikoma Pollocko žmona. Krasneris paliko palikimą, kad įsteigtų Pollocko-Krasnerio fondas , kuri suteikia dotacijas vizualiųjų menininkų.

Louis Aston Knight kopėčių molbertas

Amerikos meno archyvai / Smithsonian Institution's Sons Art Reference Department Records, c. 1865-1957)' id='mntl-sc-block-image_2-0-260' />

Louis Aston Knight ir jo kopėčių molbertas. apie 1890 m. (Neidentifikuotas fotografas. Nespalvota fotografijos spauda. Matmenys: 18 cm x 13 cm. Kolekcija: Charleso Scribnerio sūnų meno informacijos skyriaus įrašai, apie 1865–1957). Amerikos meno archyvai / Smithsonian institutas

Louis Aston Knight (1873–1948) buvo Paryžiuje gimęs amerikiečių menininkas, žinomas dėl savo peizažo paveikslų. Iš pradžių jis mokėsi pas savo menininką tėvą Danielį Ridgway Knightą. Pirmą kartą jis dalyvavo parodoje Prancūzų salone 1894 m. ir toliau tai darė visą savo gyvenimą, taip pat sulaukė pripažinimo Amerikoje. Jo paveikslas „Afterglow“. 1922 m. įsigijo JAV prezidentas Warrenas Hardingas Baltiesiems rūmams.

Ši nuotrauka iš Amerikos meno archyvai , deja, vietos nenurodo, bet reikia pagalvoti, kad kiekvienas menininkas, norintis bristi į vandenį su savo molbertu ir dažais, buvo arba labai atsidavęs gamtos stebėjimui, arba gana šoumenas.

1897: Moterų dailės klasė

Amerikos meno archyvai / Smithsonian Institute. s meno klasė su instruktoriumi Williamu Merrittu Chase'u. id='mntl-sc-block-image_2-0-263' />

Moterų dailės pamoka su instruktoriumi William Merritt Chase. Amerikos meno archyvai / Smithsonian institutas.

Ši nuotrauka iš 1897 m Amerikos meno archyvai rodo moterų dailės pamoką su instruktoriumi William Merritt Chase. Tuo metu vyrai ir moterys dailės pamokas lankė atskirai, kur dėl laikmečio moterims pasisekė išvis įgyti meninį išsilavinimą.

Dailės vasaros mokykla apie 1900 m

Amerikos meno archyvai / Smithsonian Institute' id='mntl-sc-block-image_2-0-266' />

Vasaros meno mokykloje 1900 m. Amerikos meno archyvai / Smithsonian institutas

Dailės studentai St Paul School of Fine Arts vasaros pamokose Mendotoje, Minesotoje, buvo nufotografuoti apie 1900 m. kartu su mokytoju Burtu Harvudu.

Nepaisant mados, didelės kepurės nuo saulės yra labai praktiškos dažymas lauke nes saulės spinduliai nepatenka į akis, o veidas neapdegs (kaip ir viršutinė marškinėlė ilgomis rankovėmis).

„Nelsono laivas butelyje“ – Yinka Shonibar

Nelsono laivas butelyje ant ketvirtojo cokolio Trafalgaro aikštėje, autorius Yinka Shonibar. Danas Kitwoodas / Getty Images

Kartais tai yra meno kūrinio mastelis, kuris suteikia jam dramatišką poveikį, daug didesnį nei tema. Yinka Shonibar „Nelsono laivas butelyje“ yra toks kūrinys.

Yinka Shonibar „Nelsono laivas butelyje“ yra 2,35 metro aukščio laivas dar aukštesniame butelyje. Tai 1:29 mastelio viceadmirolo Nelsono flagmano HMS kopija. Pergalė .

2010 m. gegužės 24 d. Londono Trafalgaro aikštėje ant Ketvirtojo cokolio pasirodė „Nelsono laivas butelyje“. Ketvirtasis cokolis stovėjo tuščias nuo 1841 m. iki 1999 m., kai buvo sukurta pirmoji iš tebevykstančių šiuolaikinio meno kūrinių serijos, kurią specialiai cokoliui užsakė Ketvirtosios cokolio paleidimo grupė .

Meno kūrinys prieš „Nelsono laivą butelyje“ buvo Antony Gormley „One & Other“, kuriame kitas žmogus stovėjo ant cokolio valandą, visą parą ir 100 dienų.

2005–2007 m. buvo galima pamatyti Marco Quinno skulptūrą, Alison Lapper nėščia , o nuo 2007 m. lapkričio mėnesio tai buvo Thomas Schutte 2007 m. viešbučio modelis.

Batikos piešinius ant „Nelsono laivo butelyje“ burių menininkas atspaudė rankomis ant drobės, įkvėptas audinio iš Afrikos ir jos istorijos. Butelis yra 5x2,8 metrų, pagamintas iš perspekso, o ne stiklo, o butelio anga yra pakankamai didelė, kad būtų galima įlipti į vidų ir pastatyti laivą.