6 ikoniškos moterys atlikėjos, kurias turėtumėte žinoti

Mama , dailininkės Louise Bourgeois skulptūra

Menininkės Louise Bourgeois skulptūra „Maman“ Meno istorijos šlovės alėjoje yra grįsta vyrų menininkų vardais, tačiau pradeda rinkti daugiau moterų menininkų. Bendram vyriško meistro ir šedevro suvokimui didelę įtaką daro tai, kad mūsų mokykliniuose vadovėliuose ir svarbiausiose muziejų galerijose beveik visiškai nėra jų kolegų.

Menininkės šiandien

Kino industrijoje nepakankamas moterų, kaip režisierių ir prodiuserių, atstovavimas per pastaruosius porą metų sukėlė daug pasipiktinimo bangų. Socialinėje žiniasklaidoje daugėja žymių, tokių kaip #OscarsSoMale rodo, kad yra didelis moterų matomumo poreikis.

Tas pats pasakytina ir apie meno industriją, nors pasipiktinimas nėra toks garsus kaip Holivude. Viena iš priežasčių gali būti ta, kad bent jau šiuolaikiniame ir šiuolaikiniame mene buvo lėtesnis ir stabilesnis poslinkis, kad būtų atstovaujama daugiau moterų. Jau 1943 m. Peggy Guggenheim surengė visų moterų parodą savo liūdnai pagarsėjusioje Niujorko galerijoje Šio amžiaus menas , įskaitant įmokas iš Dorothea Tanning ir Frida Kahlo . Ši novatoriška įmonė, vadinama 31 Moterys , buvo pirmasis toks už Europos ribų. Nuo to laiko daug kas pasikeitė. Šiandien yra daugybė galerijų, atstovaujančių vis daugiau moterų menininkių. Taip pat daugiau moterų dalyvauja prestižiniuose meno festivaliuose ir jos pelno svarbius apdovanojimus.

Didelis nuovargis, Camille Henrot, 2013 m., per camillehenrot.fr

Tačiau moterų menininkės vis dar nepakankamai atstovaujamos muziejaus kraštovaizdyje. Meno rinkos informacijos įmonė Artnet Analizė atskleidė, kad 2008–2018 metais tik 11 procentų visų geriausių Amerikos muziejų įsigytų darbų buvo moterų. Taigi, kalbant apie istorinį meno supratimą, dar reikia daug nuveikti, kad padidėtų moterų menininkių ir jų kūrybos matomumas.

Štai mano mėgstamiausių moterų menininkių iš visos meno istorijos iki šių dienų apžvalga, kurias vertinu už daugelio medijų meistriškumą, konceptualų mąstymą, į moteris orientuotų temų traktavimą, taigi už nepaprasto ir unikalaus gyvenimo kūrimą. .

Kamilė Henrot

Prancūzijoje gimusi šiuolaikinė moteris menininkė Camille Henrot garsėja tuo, kad dirba su įvairiomis medijomis – nuo ​​kino iki asambliažo ir skulptūros. Ji netgi išdrįso į Ikebaną – tradicinę japonų gėlių kompozicijos techniką. Nors jos darbai išties nuostabūs yra gebėjimas derinti iš pažiūros prieštaringas idėjas. Savo sudėtinguose meno kūriniuose ji priešina filosofiją popkultūrai ir mitologiją prieš mokslą. Pagrindinė, visa apimanti jos meno kūrinių idėja niekada nėra pernelyg akivaizdi. Camille Henrot puikiai suvynioja daiktus, sukuria subtilią ir mistišką atmosferą. Tik panardinę į juos galėsite sujungti taškus.

Norėdami tai geriausiai iliustruoti, paimkime pavyzdį: 2017–2018 m. Camille'as Henrot Paryžiaus Tokijo rūmuose eksponavo Carte Blanche, pavadintą Dienos yra šunys . Ji suabejojo ​​autoriteto ir fantastikos santykiais, lemiančiais mūsų egzistavimą, ir ėmėsi vienos svarbiausių mūsų gyvenimo struktūrų – savaitės, kad surengtų savo parodą. Nors metus, mėnesius ir dienas sudaro natūralūs dalykai, savaitė, priešingai, yra fikcija, žmogaus išradimas. Tačiau už jo esantis pasakojimas nesumažina jo emocinio ir psichologinio poveikio mums.

Blyškioji lapė, Camille Henrot, 2014 m., Andy Keate nuotrauka per camillehenrot.fr

Viename iš kambarių Camille Henrot eksponavo savo instaliaciją Blyškioji lapė , kurį anksčiau užsakė ir gamino Chisenhale galerija. Ji naudojo jį, kad pavaizduotų paskutinę savaitės dieną – sekmadienį. Tai įtraukianti aplinka, sukurta pagal ankstesnį Camille'o Henrot projektą „Grosse Fatigue“ (2013 m.) – filmą, apdovanotą Sidabrinis liūtas 55-ojoje Venecijos bienalėje. „Grosse Fatigue“ per trylika minučių pasakoja visatos istoriją, o „Blyški lapė“ yra mūsų bendro troškimo suprasti pasaulį per mus supančius objektus meditacija. Ji kaupė asmeninę medžiagą ir dengė ją pagal principų perteklių (pagrindines kryptis, gyvenimo etapus, Leibnizo filosofinius principus), kurdama fizinę bemiegės nakties patirtį, katalogavimo psichozę. Savo svetainėje ji teigia, kad su „Blyškia lape“ norėjau pasišaipyti iš nuoseklios aplinkos kūrimo. Nepaisant visų mūsų pastangų ir geros valios, vieno bato viduje visada įstrigo akmenukas.

Ar jums patinka šis straipsnis?

Prisiregistruokite gauti mūsų nemokamą savaitinį informacinį biuletenįPrisijunk!Įkeliama...Prisijunk!Įkeliama...

Norėdami suaktyvinti prenumeratą, patikrinkite gautuosius

Ačiū!

Harisas Epaminondas

Kipro menininko kūrybos dėmesys sutelktas į ekspansyvius koliažus ir daugiasluoksnes instaliacijas. Tarptautinei parodai 58-oji Venecijos bienalė , ji sujungė rastas medžiagas, tokias kaip skulptūros, keramika, knygos ar nuotraukos, kurias panaudojo kruopščiai konstruodama vieną iš jai būdingų instaliacijų.

t. XXII, Haris Epaminonda, 2017 m., Tony Prikrylo fotografija

Panašiai kaip Camille Henrot, jos kūriniai ne iš karto atskleidžia esmines jų reikšmes. Tačiau jos darbai nuo Camille Henrot skiriasi tuo, kad ji neįtraukia savo objektų į sudėtingus pasakojimus ir konceptualias teorijas. Vietoj to, jos instaliacijos organizuotos kur kas paprasčiau, žadinančios minimalistinės tvarkos pojūtį. Tik atidžiau pažvelgę ​​į atskirus objektus pastebėsite prieštaravimus už iš pažiūros tobulos estetikos. Savo kompozicijoms Haris Epaminonda naudoja rastus objektus, kurie tradiciniu supratimu vienas kitam būtų visiškai keisti. Pavyzdžiui, beveik natūraliai galite rasti bonsai medį, stovintį šalia graikų kolonos. Menininkė savo objektus įpina į visuomenei ir, ko gero, jai pačiai nežinomų istorinių ir asmeninių prasmių tinklą. Nors Haris Epaminonda neignoruoja numanomų savo objektų istorijų, ji mieliau leidžia jiems panaudoti savo galią iš esmės.

VOL. 27 d., Harisas Epaminonda, 2019 m., per moussemagazine.it

Haris Epaminonda už trisdešimties minučių vaizdo įrašą „Chimera“ laimėjo 58-ąją Venecijos bienalę. Sidabrinis liūtas apdovanojimą kaip perspektyvus jaunas dalyvis ir nuo tada yra viena iš šiuolaikinio meno tarptautinių krentančių žvaigždžių.

Akunyili Crosby rankena

Njideka Akunyili Crosby gimė Nigerijoje, šiuo metu gyvena ir dirba Los Andžele. Paauglystėje jos mama laimėjo žaliosios kortelės loteriją, o tai leido visai šeimai persikelti į JAV. Savo paveiksluose Akunyili Crosby atspindi savo, kaip šiuolaikinės Nigerijos diasporos, patirtį. Ant milžiniškų popieriaus paviršių ji deda kelis sluoksnius, kad pavaizduotų portretus ir buitinį interjerą, sugretindama gylį ir plokštumą.

Ši moteris menininkė dirba taikydama mišrios medijos techniką, kurią sudaro fotografijos perkėlimai, dažai, koliažas, piešimas pieštuku, marmuro dulkės ir audinys, be kita ko. Taip menininkė kuria nepaprastus paveikslus, iliustruojančius gana įprastas, buitines temas, kuriose ji vaizduoja save ar savo šeimą. Jos kūryba iš tikrųjų yra apie kontrastus, tiek formaliai, tiek turinio požiūriu. Atidžiau pažvelgę ​​į jos paveikslų detales, rasite tokius objektus kaip ketaus radiatorius, rodantis šaltas Niujorko žiemas, arba, pavyzdžiui, ant stalo pastatyta parafininė lempa, kuri nupiešta iš Akunyili Crosby prisiminimų apie Nigeriją.

Mama, mama ir mama (pirmtakai Nr. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014 m., per njikedaakunyilicrosby

Tačiau kontrastai neapsiriboja tik tuo, kas paminėta: 2016 m. staiga išaugusi Akunyili Crosby kūrinių, kuriuos ji kuria lėtai, paklausa viršijo pasiūlą. Dėl to jos meno kūrinių kainos rinkoje smarkiai išaugo. Tai baigėsi tuo, kad vienas iš jos paveikslų buvo parduotas Sotheby's šiuolaikinio meno aukcione m. 2016 m. lapkritis už beveik 1 mln. Tik po šešių mėnesių privatus kolekcininkas kūrinį pardavė už maždaug 3 mln Christie’s Londone o 2018 m. ji pardavė kitą paveikslą už maždaug 3,5 mln Sotheby's Niujorke .

Louise Bourgeois

Prancūzų kilmės amerikiečių menininkė geriausiai žinoma dėl savo didelio masto skulptūrų, iš kurių garsiausias yra milžiniškas bronzinis voras „Louise Bourgeois Spider“, pavadintas Maman, nuolat keliaujantis po pasaulį. Devynių metrų ūgio ji sukūrė per didelį, metaforišką savo motinos atvaizdą, nors meno kūrinys visai nėra skirtas tragiškų motinos ir dukters santykių atskleidimui. Priešingai: skulptūra yra pagarba jos pačios motinai, kuri Paryžiuje dirbo gobeleno restauratore. Kaip ir vorai, Bourgeois motina vėl ir vėl atnaujino audinius. Taigi menininkas vorus suvokė kaip saugančias ir padedančias būtybes. Gyvenimas susideda iš išgyvenimų ir emocijų. Mano sukurti objektai daro juos apčiuopiamus, kartą pasakė Bourgeois, paaiškindama savo pačios meno kūrinį.

Mama, Louise Bourgeois, 1999 m., per guggenheim-bilbao.eus

Be skulptūrų kūrimo, ji taip pat buvo produktyvi tapytoja ir grafikos kūrėja. 2017 ir 2018 m Modernaus meno muziejus Niujorke (MoMA) skyrė mažiau žinomos menininkės kūrybos retrospektyvą, pavadintą An Unfolding Portrait, daugiausia dėmesio skiriant jos paveikslams, eskizams ir estampoms.

Mano vidinis gyvenimas, Louise Bourgeois, 2008 m., per moma.org

Kad ir kokią mediją naudotų talentingas menininkas, Bourgeois daugiausia dėmesio skyrė temų, susijusių su buitimi ir šeima, seksualumu ir kūnu, taip pat mirtimi ir nesąmoningumu, tyrinėjimui.

Gabrielė Munter

Jei žinai Vasilijus Kandinskis , Gabriele Münter jums turėtų būti ne mažesnis vardas. Menininkė ekspresionistė ​​buvo grupės priešakyje Mėlynasis raitelis (Mėlynasis raitelis) ir dirbo kartu su Kandinskiu, su kuriuo susipažino per pamokas Miuncheno Falankso mokykloje – rusų menininko įkurtoje avangardo įstaigoje.

Gabriele Münter portretas, Wassily Kandinsky, 1905, per Wikimedia Commons

Kandinskis pirmasis pastebėjo Gabriele Münter tapybos sugebėjimus XX amžiaus pradžioje. Jų profesiniai santykiai – ilgainiui peraugę ir į asmeninius – truko beveik dešimtmetį. Per tą laiką Gabriele Münter išmoko dirbti su paletės peiliu ir storais teptuko potėpiais, taikydama iš prancūzų kalbos kilusias technikas. Didelės katės .

Su naujai įgytais įgūdžiais ji sodriomis spalvomis, supaprastintomis formomis, paryškintomis linijomis pradėjo tapyti peizažus, autoportretus, buitinius interjerus. Po kurio laiko Gabriele Münter pradėjo giliau domėtis šiuolaikinės civilizacijos dvasios tapyba, bendra ekspresionizmo menininkų tema. Lygiai taip pat, kaip pats gyvenimas yra trumpalaikių akimirkų sankaupa, ji ėmė fiksuoti momentinius vizualinius potyrius, paprastai greitai ir spontaniškai.

Geltonasis namas (Geltonas namas), Gabriele Münter, 1908 m., per Wikiart

Siekdama sukelti jausmus, ji naudojo ryškias spalvas ir kūrė poetiškus peizažus, kuriuose gausu fantazijos ir vaizduotės. Gabriele Münter ir Kandinsky santykiai stipriai paveikė rusų menininko kūrybą. Savo paveiksluose jis pradėjo taikyti Gabriele Münter sodrių spalvų naudojimą ir ekspresionistinį stilių.

Jų santykiai nutrūko, kai Kandinskis per Pirmąjį pasaulinį karą turėjo palikti Vokietiją, todėl turėjo grįžti į Rusiją. Nuo to laiko ir Gabriele Münter, ir Kandinsky gyveno atskirti vienas nuo kito, tačiau abipusė jų įtaka vienas kito kūrybai išliko.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp tikriausiai yra viena talentingiausių moterų menininkių meno istorijoje. Ji, be kita ko, dirbo tapytoja, skulptore, tekstilininke ir scenografe bei šokėja.

Scenografija König Hirsch (Elnias karalius), Sophie Taeuber-Arp, 1918 m., E. Linck nuotrauka. Šveicarų menininkas pradėjo dirbti siuvinėjimo, audimo ir tekstilės dizaino instruktoriumi Ciuricho menų universitete. 1915 metais ji sutiko savo būsimą vyrą Jeanas Hansas Arp , kuris per Pirmąjį pasaulinį karą pabėgo nuo vokiečių armijos ir įstojo į kariuomenę Dada judėjimas . Jis supažindino ją su judėjimu, o vėliau ji dalyvavo pasirodymuose, kuriuos surengė Dadaistai „Cabaret Voltaire“. Ji prisidėjo kaip šokėja, choreografė ir lėlininkė. Be to, ji sukūrė lėles, kostiumus ir dekoracijas savo ir kitų menininkų pasirodymams Kabaretas Volteras .

Be pasirodymo Dada renginiuose, Sophie Taeuber-Arp sukūrė tekstilės ir grafikos kūrinius, kurie kartu su Piet Mondrian ir Kasimir Malevich yra vieni iš ankstyviausių konstruktyvistinių kūrinių meno istorijoje.

Gleichgewicht (Balansas), Sophie Taeuber-Arp, 1932–1933 m., per „Wikimedia Commons“ Taip pat ji buvo viena pirmųjų menininkių, savo darbuose pritaikiusių taškelius. Sophie Taeuber-Arp puikiai suprato sudėtingas geometrines formas, abstrakciją ir spalvų naudojimą. Jos darbai dažnai buvo laikomi novatoriškais ir kartu džiaugsmingais.

1943 m. Sophie Taeuber-Arp mirė dėl avarijos Maxo Billo namuose. Ji ir jos vyras nusprendė likti nakvoti, kai jau buvo vėlu. Buvo šalta žiemos naktis ir Sophie Taeuber-Arp savo mažame svečių kambaryje įjungė seną krosnį. Kitą dieną jos vyras rado ją negyvą dėl apsinuodijimo anglies monoksidu.

Sophie Taeuber-Arp ir jos vyras Jeanas Arpas labai glaudžiai bendradarbiavo vykdydami įvairius bendrus projektus. Jie buvo viena iš nedaugelio meno istorijos porų, kurios neatitiko tradicinių menininko ir jo mūzos vaidmenų. Vietoj to, jie susitiko akių lygyje ir buvo vienodai gerbiami bei vertinami savo draugų menininkų – Marcelis Duchampas ir Joana Miro būdami du iš jų – ir menotyrininkai už savo darbus