4 ikoniniai meno ir mados bendradarbiavimai, kurie suformavo XX a

Trys kokteilinės suknelės, duoklė Piet Mondrian pateikė Ericas Kochas , 1965 m., per „Vogue France“.

Meno ir mados ryšiai nusako konkrečius istorijos momentus. Abi šios terpės atspindi socialinius, ekonominius ir politinius pokyčius nuo riaumojančio dvidešimtojo dešimtmečio iki devintojo dešimtmečio puošnumo. Štai keturi menininkų ir mados dizainerių, kurie savo darbais padėjo formuoti visuomenę, pavyzdžiai.

1. Halstonas ir Warholas: mados stipendija

Keturi Halstono portretai , Andy Warhol, 1975, Privati ​​kolekcija

Draugystė tarp Roy Halston ir Andy Warholas yra tas, kuris apibrėžė meninį pasaulį. Ir Halstonas, ir Warholas buvo lyderiai, kurie atvėrė kelią menininkui / dizaineriui paversti įžymybe. Jie pašalino pretenzingą meno pasaulio stigmą ir atnešė madą bei stilių masėms. Warholas kelis kartus naudojo šilkografiją, kad padarytų vaizdus. Nors jis tikrai neišrado šio proceso, jis padarė revoliuciją masinės gamybos idėją. Halstonas naudojo paprastus ir elegantiškus audinius ir dizainą, tačiau žaviai naudojo blizgučius, ultrazomšą ir šilką. Jis buvo vienas pirmųjų, padariusių amerikietišką madą prieinamą ir geidžiamą. Abu jie padarė galutinį antspaudą menui ir stiliui per visą septintojo, aštuntojo ir devintojo dešimtmečio kelią, kuris išlieka iki šių dienų.

Bendradarbiavimas ir komercinė sėkmė

Gėlės pateikė Andy Warholas , 1970, per Prinstono universiteto meno muziejų (kairėje); su Liza pateikė Andy Warholas , 1978, per Christie’s (centre); ir Gėlės pateikė Andy Warholas , 1970 m., per Tacoma meno muziejų (dešinėje)

Ir Halstonas, ir Warholas bendradarbiavo daugelyje skirtingų projektų. Warholas sukurs reklamos kampanijas, kuriose būtų rodomi Halstono drabužiai ir net pats Halstonas. Tiesiogiai bendradarbiaudamas, Halstonas naudojo Warholo gėlių raštą ant kai kurių savo drabužių nuo vakarinės suknelės iki poilsio drabužių komplekto.

Halstonas savo drabužiuose naudojo paprastą dizainą, todėl jie buvo labai sėkmingi. Jie buvo supaprastinti ir lengvai dėvimi, tačiau vis tiek jautėsi prabangiai, kai naudojo audinius, spalvas ar spaudinius. Warholas taip pat supaprastins savo medžiagas ir procesą, todėl buvo lengviau atkurti jo kūrinius ir padaryti juos parduodamesnius.

Ar jums patinka šis straipsnis?

Prisiregistruokite gauti mūsų nemokamą savaitinį informacinį biuletenįPrisijunk!Įkeliama...Prisijunk!Įkeliama...

Norėdami suaktyvinti prenumeratą, patikrinkite gautuosius

Ačiū!

Vakarinė suknelė pateikė Halstonas , 1972 m., per Indianapolio meno muziejų (kairėje); su Suknelė ir prie jos priderintas apsiaustas pateikė Halstonas , 1966 m., per FIT muziejų Niujorke (centre); ir Poilsio ansamblis pateikė Halstonas , 1974 m. per Šiaurės Teksaso universitetą, Dentoną (dešinėje)

Komercinė sėkmė turėjo iššūkių abiem dizaineriams. Halstonas pirmasis bendradarbiaus su mažmeninės prekybos tinklu „JCPenney“ 1982 m., kurio tikslas buvo suteikti klientams pigesnę jo dizaino galimybę. Tai nebuvo sėkminga jo prekės ženklui, nes atrodė, kad jis jį atpigo, tačiau tai atvėrė kelią būsimiems dizaineriams tai padaryti. Warholas taip pat sulaukė kritikos, nes jo produkcija buvo vertinama kaip lėkšta ir paviršutiniška. Tačiau abu modernizavo mažmeninės prekybos ir rinkodaros naudojimą atitinkamose erdvėse, kad sukurtų prekių ženklus, skirtus parduoti masinei rinkai.

Blizgesys ir žavesys

Deimantiniai dulkių batai pateikė Andy Warholas , 1980, per Monsoon Art Collection, Londonas (kairėje); su Moteriška suknelė, blizgučiai pateikė Halstonas , 1972, per LACMA (dešinėje)

Tiek Warholas, tiek Halstonas buvo dažni „Studio 54“ lankytojai. Jie vakarėdavo, kurdavo ir gamindavo darbus tokioms įžymybėms kaip Liza Minnelli, Bianca Jagger ir Elizabeth Taylor. Šios išvykos ​​atsispindi jų darbuose, nes įkvėpė ir apibrėžė aštuntojo dešimtmečio disko erą.

Halstonas yra žinomas dėl to, kad kuria vakarinius drabužius su blizgučiais. Jis paguldys blizgučius ant audinio horizontaliai. Tai sukuria blizgantį medžiagos efektą, kurį jis naudotų kurdamas ombre arba kratinio dizainus. Jo dizainai buvo paprasti siluetai, kurie sukūrė lengvumą ir judėjimą šokiams. Jo blizgučiai buvo labai populiarūs tarp žvaigždžių, įskaitant Lizą Minnelli, kuri dėvėjo jo piešinius pasirodymuose ir išvykose. Studija 54 .

Warholo „Diamond Dust Shoes“ serija taip pat parodo naktinį „Studio 54“ gyvenimą ir įžymybių įtaką. Deimantų dulkės yra tai, ką jis panaudojo ant šilkografijos ar paveikslų, sukurdamas papildomą kūrinio gylio elementą. Warholo batų atspaudai iš pradžių buvo Halstono reklamos kampanijos idėja. Jis netgi panaudojo kai kuriuos paties Halstono batų dizainus kaip įkvėpimą.

Dizaineris tapo įžymybe nuo Warholo ir Halstono. Tai buvo ne tik apie tai, kokias meno rūšis ir drabužius jie sukūrė, bet ir apie jų socialinį gyvenimą. Šiais laikais yra mados dizainerių ir menininkų, kurie yra įžymybių asmenybės ir tai prisideda prie jų prekės ženklų sėkmės.

2. Sonia Delaunay: kur menas tampa mada

Sonia Delaunay su dviem draugais Roberto Delaunay studijoje, 1924 m., per Bibliothèque Nationale de France, Paryžius

Sonia Delaunay ne tik sukėlė revoliuciją naujoje formoje Kubizmas bet ir įsivaizdavo meno ir mados sąsajas. Ir Delaunay, ir jos vyras buvo pionieriai Orfizmas ir eksperimentavo su įvairiomis meno abstrakcijos formomis. Ji buvo pirmoji tokia, kuri panaudojo savo meninį stilių ir perėjo į mados pasaulį, naudodama originalius tekstilės dizainus, spaudinius ar raštus. Ji labiau prisimenama dėl savo meno ir ryšio su vyru, o ne dėl mados. Jos drabužiai XX amžiaus trečiajame dešimtmetyje buvo moterų drabužių pokyčių priešakyje. Jos drabužių katalogas labiau prisimenamas nuotraukose ir nuorodose į jos meną, o ne pačius fizinius drabužius. Delaunay nuomone, nėra jokios ribos tarp meno ir mados. Jai jie yra vienas ir tas pats.

Simultano ir maištininkų mada

Vienalaikės suknelės (trys moterys, formos, spalvos) pateikė Sonia Delaunay , 1925 m., per Thyssen-Bornemisza nacionalinį muziejų, Madridą (kairėje); su Vienalaikė suknelė pateikė Sonia Delaunay , 1913 m., per Thyssen-Bornemisza nacionalinį muziejų, Madridą (dešinėje)

Delaunay savo mados verslą pradėjo XX a. 20-ajame dešimtmetyje kurdama drabužius klientams ir gamindama audinius gamintojams. Ji paskambino savo etiketei Tuo pačiu metu ir toliau patobulino savo spalvų ir raštų naudojimą įvairiose laikmenose. Simultanizmas vaidino svarbų vaidmenį jos projektavimo procese. Jos technika labai panaši į kratinio antklodę ar tekstilę iš Rytų Europos. Spalvos persidengia viena su kita, o raštai naudojami harmonijai ir ritmui sukurti. Įprastos jos temos yra kvadratai / stačiakampiai, trikampiai ir įstrižainės linijos arba sferos - visa tai sutampa viena su kita įvairiuose jos dizainuose.

14 plokštelė iš Sonia Delaunay: jos paveikslai, objektai, vienalaikis audinys, jos mados pateikė Sonia Delaunay , 1925 m., per Nacionalinę Viktorijos galeriją, Melburną

Delaunay buvo jauna moteris Edvardo era kur korsetai ir atitiktis buvo norma. Tai pasikeitė 1920 m., kai moterys dėvėjo sijonus virš kelių ir laisvus, prie dėžutės prigludusius drabužius. Šis aspektas yra kažkas, ką galima pamatyti Delaunay dizainuose, ir ji aistringai kūrė drabužius, atitinkančius moterų poreikius. Ji sukūrė maudymosi kostiumėlius, kurie leido moterims geriau dalyvauti sporto šakose, kurios anksčiau trukdė juos žaisti. Ji dėjo savo tekstilę ant paltų, batų, kepurių ir net automobilių, todėl kiekvienas paviršius tapo jos drobe. Jos dizainai sukūrė judėjimo ir išraiškos laisvę per spalvą ir formą.

Delaunay perėjimas į kiną ir teatrą

Le P'tit Parigot pateikė René Le Somptier , 1926, per IMDB (kairėje); su Kostiumas „Kleopatrai“ Ballets Russes spektaklyje „Cleopatra“ Sonia Delaunay, 1918 m., per LACMA (dešinėje)

Delaunay per savo karjerą perėjo į kiną ir teatrą. Ji sukūrė kostiumus 1926 m. filmui Le P'tit Parigot („Mažasis Paryžietis“), autorius Rene Le Somptier. Tiek Delaunay, tiek jos vyras prisidėjo prie filmo, o jos vyras prisidėjo prie filmuose naudojamų scenografijų. Kairėje rumunų šokėja Lizicai Codreanu pavaizduota viename iš Delaunay sukurtų kostiumų. Jos sferų, zigzagų ir kvadratų naudojimas yra dar vienas simultanizmo pavyzdys. Fono zigzagai susilieja su kostiumų antblauzdžiais. Diskas, supantis šokėjos veidą, buvo pasikartojanti Delaunay madų tema.

Ji taip pat kūrė dizainus 'Kleopatra' , Ballets Russes. Panašiai kaip ir kine, ji kūrė kostiumus, o jos vyras dirbo scenografijoje. Abu bendradarbiavo vienas su kitu, kad sukurtų darnią patirtį žiūrovui. Kleopatros kostiumas turi įvairiaspalves juosteles ir puslankius, sujungiančius jos XX a. 20-ojo dešimtmečio abstraktų stilių su tradiciniu baletu.

3. Elsa Schiaparelli ir Salvadoro Dalí bendradarbiavimas

Schiaparelli kepurės formos batai Elsa Schiaparelli ir Salvador Dalí , 1937–38, per „Vogue Australia“.

Priešakyje siurrealistinis menas yra suderintas su lyderiu siurrealistinės mados. Salvadoras Dali ir mados dizaineris Elsa Schiaparelli bendradarbiavo ir įkvėpė vienas kitą per visą savo karjerą. Jie sukūrė ikoniškus vaizdus, ​​​​pvz., Omarų suknelė , Batų kepurė (Dali žmona Gala matoma aukščiau) ir Ašarų suknelė , kuris šokiravo ir įkvėpė publiką tiek meno, tiek mados srityse. Dalí ir Schiaparelli atvėrė kelią būsimam mados dizainerių ir menininkų bendradarbiavimui, nes jie panaikino atotrūkį tarp to, kas laikomas nešiojamu menu, ir mados.

Omaras ir Dali

Moteriška vakarienės suknelė Elsa Schiaparelli ir Salvador Dali , 1937 m., per Filadelfijos meno muziejų (kairėje); Salvadoras Dali pateikė George'as Plattas Lynesas , 1939 m., per Metropoliteno meno muziejų Niujorke (dešinėje)

Nors omaras iš pažiūros yra nekenksmingas, jis iš tikrųjų yra apimtas ginčų. Dali naudojo omarai kaip nuolatinė jo kūrybos tema ir domėjosi omaro anatomija. Jo apvalkalas išorėje veikia kaip skeletas, o viduje yra minkštas vidus, atvirkštinė žmogaus pusė. Omarai Dali kūryboje taip pat turi seksualinių atspalvių, kylančių iš moters ir vyro dinamikos.

Omaro suknelė yra dviejų menininkų bendradarbiavimas su Dali, nubrėžusiu omarą, kuris bus naudojamas ant suknelės. Pirmą kartą debiutavęs jis sukėlė daug ginčų Vogue . Pirma, jis turi permatomą liemenį ir sijoną iš baltos organzos. Šis ryškumas, parodantis vos matomą modelio kūno įvaizdį, buvo kažkas visiškai naujo masinėje madoje. Balto audinio naudojimas taip pat kontrastuoja su omaro raudonumu. Balta spalva gali būti laikoma nekalta arba reiškianti grynumą, palyginti su raudona, o tai gali reikšti seksualumą, galią ar pavojų. Omaras patogiai dedamas ant sijono, kad uždengtų moters dubens sritį. Ši vieta yra panaši į aukščiau pateiktą Dali nuotrauką, kuri dar labiau parodo moterų seksualumą ir vyrų reakciją į ją.

Modelis, kuris vilkėjo drabužį Vogue buvo Wallis Simpson, Edvardo VIII žmona, kuri atsisakė Anglijos sosto, kad ją vestų. Tai dar vienas pavyzdys, kaip paimti prieštaringą figūrą ar įvaizdį kultūroje ir paversti tai gerbtinu dalyku.

Kaulus šaldantis stilius

Moteris su rožių galva pateikė Salvadoras Dalí , 1935, per Kunsthaus Ciurich (kairėje); su „Skeleton“ suknelė pateikė Elsa Schiaparelli , 1938 m., per Viktorijos ir Alberto muziejų, Londoną (dešinėje)

Skeletai yra dar viena siurrealistinio meno tema, kuri buvo naudojama dažniau bendradarbiaujant Dali ir Schiaparelli. „Skeleton“ suknelė buvo pirmasis toks dėl savo dalyko, bet ir dėl savo technikos. Schiaparelli naudojo techniką, vadinamą dygsniuotas kur susiūti du audinio sluoksniai sukuriant kontūrą. Vata įterpiama į kontūrą, sukuriant iškilų efektą. Ši technika sukuria tekstūruotą plokščio audinio paviršių, sukuriantį iliuziją, kad pro suknelę kyšo žmogaus kaulai. Tai sukėlė skandalą, nes suknelė buvo pasiūta iš lipnios medžiagos, kuri prilipo prie odos. Dali paveikslų ir piešinių vaizduotę fiziniame trimačiame pasaulyje įgyvendino Schiaparelli drabužiai. Dali, kaip minėta anksčiau, domėjosi anatomija, o tai reiškia ir jo kūrybą.

4. Yves Saint Laurent: kur susiduria menas ir įkvėpimas

Picasso įkvėpta Yves Saint Laurent suknelė pateikė Pierre'as Guillaud , 1988, per Times LIVE (kairėje); su Paukščiai Georges'as Braque'as, 1953 m., Luvro muziejuje, Paryžiuje (dešinėje)

Kur yra riba tarp mėgdžiojimo ir įvertinimo? Kritikai, žiūrovai, menininkai ir dizaineriai stengėsi nustatyti, kur nubrėžta ši linija. Tačiau diskutuojant Yves'as Saint Laurent'as , jo ketinimai buvo tik glostymas ir žavėjimasis menininkais bei paveikslais, kuriuos jis panaudojo kaip įkvėpimą. Žvelgdamas į savo platų portfelį, Saint Laurent'as buvo įkvėptas kultūrų ir meno iš viso pasaulio, ir jis tai įtraukė į savo drabužius.

Nors Yves'as Saint Laurent'as niekada nesusitiko su menininkais, kurie jį įkvėpė, tai nesutrukdė jam kurti kūrinių, kaip duoklę jiems. Laurent'as įkvėpimo sėmėsi iš tokių menininkų kaip Matisas , Mondrianas, Van Gogas, Georges'as Braque'as ,ir Pikasas . Jis buvo meno kolekcionierius ir savo namuose turėjo Pikaso ir Matiso paveikslus. Kito menininko vaizdų paėmimas įkvėpimu kartais gali būti vertinamas kaip prieštaringas. Tačiau Saint Laurent'as naudotų panašias temas kaip šie menininkai ir įtrauktų jas į nešiojamus drabužius. Jis paėmė dvimatį motyvą ir pavertė jį trimačiu drabužiu, kuris pagerbia kai kuriuos jo mėgstamiausius menininkus.

Pop menas ir 60-ųjų revoliucija

Kokteilinė suknelė, kurią vilkėjo Muriel, pagarba Pietui Mondrianui, 1965 m. rudens-žiemos aukštosios mados kolekcija Yves'as Saint Laurent'as, fotografavo Louisas Dalmasas , 1965, per Musée Yves Saint Laurent, Paryžius (kairėje); su Vakarinė suknelė, kurią vilkėjo Elsa, Pagarba Tomui Wesselmannui, 1966 m. rudens-žiemos aukštosios mados kolekcija Yves Saint Laurent, fotografavo Gerardas Pataa, 1966 m , per Yves Saint Laurent muziejų, Paryžius (dešinėje)

1960-ieji buvo revoliucijos ir komercializmo metas bei nauja mados ir meno era. Saint Laurent'o dizainai sulaukė komercinės sėkmės, kai jis pradėjo semtis įkvėpimo Pop menas ir abstrakcija. 1965 m. jis sukūrė 26 sukneles, įkvėptas Piet Mondrian abstrakčių paveikslų. Suknelės įkūnijo Mondrian supaprastintas formas ir drąsias pagrindines spalvas. Saint Laurent'as naudojo techniką, kai tarp audinio sluoksnių nesimato siūlių, todėl atrodo, kad drabužis būtų vienas vientisas gabalas. Saint Laurent'as perėmė Mondriano meną nuo XX a. 20-ųjų ir padarė jį nešiojamą ir prilygstamą 1960-iesiems.

Modulio stiliaus suknelės yra klasikiniai septintojo dešimtmečio stiliaus pavyzdžiai, kai praktiškumas tapo didesne moterų problema. Jie buvo panašūs į XX a. 20-ojo dešimtmečio drabužius, kurie buvo mažiau suvaržyti, o rankovėmis ir krašteliais išryškėjo daugiau odos. Saint Laurent'o dėžutės formos siluetai leido moterims lengvai ir judėti. Tai taip pat paskatino jo įkvėpimą iš pop meno menininkų, tokių kaip Tomas Wesselmannas ir Andy Warholas. Jis sukūrė popmeno įkvėptų dizainų liniją, kurioje ant jo drabužių buvo matomi siluetai ir iškirpimai. Kalbama apie suvaržymų, susijusių su meno abstrakcija, sulaužymą ir dizaino komercializavimą. Laurentas sujungė šias dvi idėjas, kad sukurtų drabužius moterims, kurie būtų išlaisvinantys ir patrauklūs šiuolaikinei moteriai.

Meniškumas aukštosios mados madoje

Vakaro ansambliai, pagarba Vincentui van Goghui, dėvėjo Naomi Campbell ir Bess Stonehouse, 1988 m. pavasario-vasaros aukštosios mados kolekcija Yves Saint Laurent, fotografavo Guy Marineau , 1988, per Yves Saint Laurent muziejų, Taken

The Vincentas van Gogas Saint Laurent švarkai yra pavyzdys, kaip Saint Laurent sujungė įkvėpimą iš kitų menininkų ir savo dizaino talentus. Kaip ir kiti jo drabužiai, su menininkais susijusios temos nebuvo nukopijuotos ir įklijuotos ant Saint Laurent'o drabužių. Vietoj to jis pasirinko juos įkvėpti ir kurti kūrinius, atspindinčius jo paties stilių. Striukė reprezentuoja 80-ųjų stilių su tvirtais pečiais ir labai struktūrizuota dėžute. Tai saulėgrąžų koliažas, išsiuvinėtas tapybiniu Van Gogo stiliumi.

Saulėgrąžų striukė-detalė pateikė Yvesas Saint Laurentas , 1988, per Christie’s (kairėje); su Saulėgrąžos - detalė pateikė Vincentas Van Goghas , 1889 m., per Van Gogo muziejų Amsterdame

Yves Saint Laurent bendradarbiavo su namais Nuomos namas , aukštosios mados siuvinėjimo lyderė. Saulėgrąžų striukė išsiuvinėta striukės kraštus išklojančiais vamzdelių karoliukais ir saulėgrąžų žiedlapiais bei stiebais. Gėlės užpildytos skirtingų atspalvių oranžiniais ir geltonais blizgučiais. Taip sukuriamas daugiamatis tekstūros gabalas, panašus į Van Gogho metodą, kai ant drobės klojami stori dažai. Manoma, kad tai vienas brangiausių aukštosios mados gaminių, kurį „Christie’s“ parduoda už 382 000 eurų. Saint Laurent’as sukūrė kelią, kaip galima dėvėti madą kaip meno kūrinį.